artway.tv Archives - Страница 2 из 38 - Интернет-телеканал ВИДЕОГАЗЕТА ARTWAY.TV
Печатная версия



artway.tv



Когда-то Геворг (Эндза) Бабаханян хотел посвятить себя религии и даже получил сан священника в Иерусалиме. Но скоро понял, что его главное предназначение – рисовать. Более двадцати лет Эндза провел за рубежом: уехав из Израиля  в Венецию, художник учился в Академии изящных искусств, затем работал реставратором, восстанавливал фрески во Дворце Дожей. Сейчас Геворг  живет в Ереване – пишет картины и руководит небольшим кукольным театром. Главные темы его творчества – Армения и детство. В этих незатейливых, на первый взгляд, сюжетах – проявляется настоящий симбиоз армянской, русской и европейской традиций.

– Священник, режиссер, художник. Чему вы отдаете предпочтение сейчас и отдаете ли?

Если человек любит искусство, работает в этой сфере – то он не может, скажем, обожать живопись и не любить театр. Поэтому неудивительно, что я окончил институт кино, потом занимался театром, что мне интересна скульптура и живопись. Однако бывает, что люди проходят три четверти своей жизни – и продолжают думать, что все впереди. Это не так. Мудрые понимают, что на определенном этапе нужно выбрать что-то для себя. Я выбрал живопись. Почему? Потому что живопись – единственный вид искусства, внутри которого ты предоставлен сам себе, работаешь со своими кистями, красками и никто тебе не мешает. Моей натуре ближе живопись.

– Как вы думаете, что такое картина для того, кто смотрит на нее? Скажем, для зрителя, не особенно искушенного в области искусствоведения?

Мне кажется, что когда начинаешь рисовать или смотришь на чью-то работу – ты понимаешь Бога. Бывает, думаешь: «Зачем Бог это все сотворил? Зачем ему эти проблемы?» Но когда работа закончена, я стою перед своей картиной – то люблю ее, как Бог любил созданный им мир. Я думаю, самый главный художник – это Бог. Возможно, он создал специальный тип человека – художника. Мне даже кажется, что сейчас всевышний действует посредством искусства, потому что искусство – и есть любовь. Для меня это уже вопрос решенный. Где нет любви – там нет Бога. Да, я бог своих работ. Вернее, апостол, я бы сказал.

– Ваш псевдоним с армянского переводится как «дар». Художник – это тот, кто все время отдает. Получает ли он что-либо взамен?

Нет, конечно. Что получает свечка взамен того, что дает свет и теплоту? Это ее сущность. То есть, если какой-то художник хочет рисовать и взамен получить что-то, или начинает сокрушаться: «Мои картины не продаются, меня не понимают, а я гений…»    это не настоящий художник.

– С другой стороны, это ведь очень по-человечески – рассчитывать на какую-то ответную реакцию, хоть немного ориентироваться на мнение публики…

Да, но это неважно. Это не самое главное. Вообще и в русском, и в армянском языке есть понятия «дар» и «подарок». Когда ты даешь и хочешь получить что-то взамен, это подарок.  Дар – это то, что волхвы принесли Иисусу. Наверное, это какое-то духовное послание, которое материализовалось в конкретный предмет. Почему волхвы принесли эти дары? Потому что они знали, что имеют дело с Богом.

– Понимание значимости действия?

Да. Ты рисуешь потому, что понимаешь, что это дар Бога тебе. То есть ты проводник, и через тебя это все идет. Плохо, если художник не чувствует этого. «Знаете, я гений». Нет. Просто водопроводная труба, которая проложена между Богом и моими картинами. Всё.

Бывает, художники говорят: «Если я не буду рисовать, я умру». Мне кажется, все не так. Если б я не рисовал – то был бы садовником. Или клоуном – я им симпатизирую. Или я бы просто улицы подметал. Это тоже мое любимое дело. И этот веник я бы употребил как кисть. То есть неважно –  ты рисуешь или нет. Важно – как ты делаешь свое дело. С искусством или без. Потому что очень многие рисуют, но это для них ремесло. А не контакт с духовным.

– Как вы отличаете одно от другого? Всегда ли это можно сделать легко?

Я отличаю очень просто. Насколько художник честен в своей работе и сколько энергии вложено туда? Когда я рисую – заряжаю свою картину. Она становится подобной магниту. Один знаменитый армянский артист рассказывал: «Когда я поехал впервые в Лувр, чтобы посмотреть Мону Лизу – что там такого, что все об этом говорят. Я не знаю, что там было, но поймал себя на том, что я стоял и четыре часа плакал у этой картины». Когда я учился в Италии, мы с другом ходили посмотреть Давида Микеланджело. На улице стояла копия Давида, созданная с компьютерной точностью – мрамор, размеры, всё как надо. Мы с другом подумали: «И это Давид?». Затем мы пошли в музей, чтобы ради интереса посмотреть оригинал. И мы дрожали перед этой работой.  Какая разница? Одна лишь – в ней есть душа, сила, энергетика Микеланджело.

– Часто приходится видеть людей, которые приезжая в новый город, пытаются успеть все, обойти все музеи, сфотографироваться со всеми памятниками искусства…

Когда они идут посмотреть новое место, они ищут с ним физический контакт. А нужен духовный контакт. Вот я приехал в Петербург, заболел, и я могу сидя здесь и глядя в это окно чувствовать дух города. Петербург – это такой город, в который мне хочется возвращаться, и этим все сказано. Не столь важно, что я не успел все обойти. А они таким образом просто галочки поставили – был-был-был.

– Ролан Барт писал, что когда произведение создано – оно автору уже не принадлежит. Люди могут интерпретировать, как им вздумается, и будут правы. Как с этим быть?

Если человек говорит, что у него сто друзей – я не поверю. Друг бывает – один, два, пять максимум. То же самое картины. Ты выбираешь в искусстве своих друзей. Если кто-то посмотрел на мои работы и не почувствовал, что он может с моей работой дружить, это нормально. Значит, у него другой круг. Ведь есть в городе разные круги. Кому-то нравится пить пиво, кому-то на выставки ходить. Это вопрос выбора. Это как в «Книге джунглей» – мы с тобой одной крови. Значит, мы с этим человеком, который не понял моё  искусство, – не одной крови.

– А в каких отношениях вы находитесь со своими работами? Легко ли вам с ними расставаться?

Раньше мне было трудно разлучаться с ними. А сейчас, наверное, я считаю, что готовая картина имеет отношение уже не только ко мне. Она должна жить своей жизнью. Но одно я точно знаю: когда я заканчиваю работу и иду спать, я ощущаю, что моя энергия исчерпана. А потом встаю – и все, продолжаю свою жизнь. После каждой картины появляется такое чувство.

– Тема детства занимает большое место в вашем творчестве. Иногда приходится слышать о том, что общество все больше становится инфантильным, и это не есть хорошо. Что думаете вы?

Я думаю, что все-таки все лучшее – из детства. Если человек хочет жить как ребенок, это очень хорошо. Детство, искусство – это вещи неопасные. Войны, политические игры – это я ненавижу. Если бы в политике было чуть-чуть детства и искусства – было бы лучше. Я думаю, что негатив в жизни – это нехватка таких вещей.

Вообще людям часто кажется, что «когда-то я был ребенком, а сейчас я другой». Люди не меняются. И когда я пишу – я не то чтобы вспоминаю ребенка, которым я был, нет. Я не могу это разделить. Я живу и мыслю так же, как жил и мыслил тогда, когда мне было шесть лет. Поэтому я не хочу проводить черту – вот я был маленький и теперь вырос.

– Хотя, на деле мы ведь это любим – делить жизнь на периоды: детство, отрочество, юность и так далее.

– Это иллюзия. Нет молодости и старости – все это один миг. Когда мы разделяем это, то  попадаем в сети.

– Может быть, людям нужно это разделение, чтобы «схватить» неуловимую жизнь? Ведь она уходит сквозь пальцы, как песок.

– То же самое, как фараоны строили пирамиды, чтобы стать бессмертными – вот мы и делим на прошлое и будущее. А если человек уже из вечности, и он в вечность отправится – какой смысл?

– Правда, мы не хотим быть гостями, мы хотим быть хозяевами жизни. Говорят, когда пушки стреляют, музы молчат. Только вот если становится плохо – хочется в театр. А у вас как?

Да, когда плохо, нужно идти в театр, в музей, читать книги – и всё будет. Вся наша жить – это история любви и ненависти. История плюса и минуса. Даже вот можно библию с этой точки зрения рассмотреть. Что случилось? Было много негатива, Бог решил сделать всемирный потоп. Через тысячелетия стало снова много негатива – и он отправил своего сына Иисуса, тот добавил позитива, добавил любовь.

– Что бы вы посоветовали человеку, который холоден к живописи?

Знаете, например, животные для меня выше людей во многих аспектах. И если кто говорит, что у животного нет души – что оно не любит и не плачет – я не верю. Но единственное, мне кажется, что животные не понимают искусство. Я не говорю, что люди, которые не понимают искусство – животные. Нет. Я обожаю животных (улыбается). Но отношения с искусством – это то, чего нам часто не хватает в жизни, что нужно культивировать в себе. Искусство – это контакт с Богом, с прекрасным. Это нужно.

– Расскажите немного о том, что вдохновляет лично вас.

Когда я вижу добрых людей – знаю, что не всё потеряно. Одно доброе дело, один добрый поступок не может не вдохновлять. Один наш святой говорил: «Не всякая правда добра. Но всякая доброта – это правда». Я бы выбрал доброту. Святой Антон писал:  «Придут такие времена, что только если ты будешь добрый – ты будешь спасен».

Я обожаю театр. Не случайно я окончил Институт театра и кино. Это болезнь. Жаль, одной  жизни не хватает, чтобы все успеть. Два года назад работал с командой актеров. Сейчас я решил заниматься именно куклами. Я люблю это, то есть ты вкладываешь свою душу в это, они такие чудные. Кстати, маленький петербургский Театр марионеток мне очень нравится. Вот в кино не хватает контакта со зрителем – а в театре зритель получает очень много.

– Если подумать, у театра и живописи – много общего. В обоих случаях – диалог. Разного порядка.

Очень схожий контакт. И что интересно, когда уже создавали телевидение, говорили, что театр умрет, но он не умер. Появилось кино – театр все равно живет. Я думаю, современные гаджеты барьер между произведениями искусства и нами. Многие рассуждают: вот, мол, когда-то было так, а теперь все иначе. Но в жизни в основном все остается неизменным по сути своей.

– Только играем другими игрушками?

Да, главное мыслить шире. Один американский турист посетил мудреца. Он обнаружил, что в доме мудреца почти ничего нет. «Где твоя мебель?» удивился американец. «А где твоя?» спросил мудрец. «Моя? Но ведь я здесь проездом. Я турист». «А вы думаете, я не турист?». Если осознать это глобально – все увидится по-другому. Вся наша жизнь один миг.

– Безусловная готовность быть  добрым – это и есть цельность личности.

– Часто такое бывает, что делаешь какое-то добро, а в ответ не получаешь ничего. И переживаешь. Я расскажу притчу. Один человек увидел, как скорпион упал в воду и старается выбраться из нее и начинает тонуть. Человек решил спасти  живое существо, протянул руку и вытащил его, но скорпион  укусил его. От боли спасатель разжал пальцы, и скорпион вновь упал в воду. Человек во второй раз попытался вытащить скорпиона, и тот снова укусил его. Случайно наблюдавший  происходящее путник сказал: «Вы проявляете излишнее упрямство!» На это человек ответил: «Если у кого-то плохой характер – разве я должен перестать быть добрым?».

 

Геворг (Эндза) Бабаханян – участник международного арт-форума «Зимняя неспячка 2016», организованного при спонсорской поддержке арт-отеля «Рахманинов»

Фото предоставлено фотоателье Sana Petra

Сайт художника: http://www.endza.com/

Беседовала: Юлия Батракова



Санкт-Петербургский ТЮЗ им. А.А. Брянцева в свой день рождения 23 февраля покажет зрителям спектакль «Конёк-Горбунок». Поставленный в год открытия театра, в 1922 году Александром Брянцевым, спектакль пережил несколько редакций, многие помнят «Конька-Горбунка» в режиссуре Зиновия Корогодского, где главные роли исполняли Ирина Соколова и Николай Иванов. А последнее восстановление было осуществлено в 2013 году старейшим актером ТЮЗа, заслуженным артистом России Владимиром Тодоровым. Раньше актер выходил на сцену в массовых сценах, сегодня он выступает на пару с Николаем Ивановым в роли Рассказчика. В ТЮЗе спектакль считают своего рода талисманом: на сцену выходит вся труппа театра, артисты очень любят играть в нем, даже если приходится быть «в народе».

Уникальность спектакля и в том, что он продолжает звучать современно, детям нравится следить за приключениями Ивана и его верного друга Конька-Горбунка, а взрослые зрители находят переклички с нынешними российскими реалиями. По форме спектакль весьма интересен, это своего рода мюзикл: драматическое действие сопровождается музыкой композитора П. Петрова-Бояринова в исполнении живого оркестра, в спектакле много пения и танцев.

В этот же день, 23 февраля, в Зрительском фойе откроется выставка работ детского художественного конкурса «Театр – глазами детей». Ежегодно жюри, состоящее из артистов театра, выбирает лучшие рисунки и поделки, которые дети создают по впечатлениям от увиденных спектаклей в ТЮЗе. Экспозиция действует в течение всего года, ознакомиться с ней можно перед началом спектакля или в антракте.

В свой День рождения ТЮЗ объявляет акцию: 23 февраля с 10.00 до 20.00 билеты на репертуарные спектакли будут продаваться в кассе театра со скидкой 25%. Какие постановки участвуют в акции, можно узнать на сайте ТЮЗа www.tyuz-spb.ru.



С 23 февраля по 26 марта 2016 года

Нередко бывает, что безукоризненные по форме и безупречные по техническому исполнению снимки лишены индивидуального авторского взгляда. В случае с Виталием ситуация обратная: в его работах можно обнаружить огрехи съёмки и печати, но это совершенно не мешает автору передавать свои внутренние состояния в фотографиях, сделанных в жанре «Стрит». Тем более удивительно, что речь идёт о категориях «покой», «умиротворённость», «сосредоточенность», по определению, казалось бы, далёких от традиционной суеты улиц и площадей!

В фотографиях автора выставки нет активного внешнего действия: всё буднично и не затейливо. Но эта визуальная простота обладает магической притягательностью, заставляя зрителя пристально вглядываться в пространства снимков и открывать для себя тишину, в которой только и возможно самопознание и познание окружающего мира.

Виталий Бенитаускас студент Академии художеств им. Репина, отделение “Реставрации”.

В 2008 году он взял в руки фотокамеру. Первые свои снимки он сделал Испании, там и родилось его желание заниматься фотографией.

Своим учителем Виталий считает фотографа Станислава Робертовича Лутфирахманова, который познакомил его с практикой и теорией фотографии.

Сейчас основные направления творчества Виталия Бенитаускаса — репортаж, жанровая и стрит-фотография. Он много снимает в России и зарубежом.



25 февраля в 15:00 состоится церемония празднования 140-летнего юбилея Академии Штиглица. В этот день откроется сразу пять выставок, посвященных различным этапам жизни художественного вуза, выступит Хор петербургской Капеллы, а одному из парадных помещений академии будет присвоено имя Веры Игнатьевны Мухиной.

С ноября 2015 года все академические события проходят под знаменем 140-летнего юбилея – Международная Ассамблея Анимации, выставка «Большой просмотр» в рамках Санкт-Петербургского международного культурного форума и многие другие.

Пять юбилейных выставок будут посвящены различным этапам жизни Академии Штиглица:

В Большом выставочном зале откроется выставка лучших дипломных проектов выпускающих кафедр за последние 10 лет. Большинство работ на экспозиции будут представлены в материале – это изделия из керамики, стекла, металла, мебель, текстиль, живопись, архитектурные проекты, макеты различных предметов промышленного дизайна.

Библиотека вуза, которая хранит уникальные фонды литературы по искусству и художественной промышленности, покажет издания, которые были выпущены педагогами и профессорами академии за 140 лет. В их числе будут представлены уникальные каталоги, изданные во времена Центрального училища технического рисования барона Штиглица.

В галереях второго этажа будут открыты две фотовыставки. В рекреации будет организована экспозиция с таймлайном архивных фотографий из жизни академии за 140 лет, которые ранее не были опубликованы. В Папской галерее откроется выставка современных фотографий интерьеров, спроектированных первым директором ЦУТР барона Штиглица, архитектором Максимилианом Месмахером – туда войдут снимки, сделанные в различных петербургских особняках, в большинство из которых вход ограничен.

Музей прикладного искусства представит в залах экспонаты из своих фондов – классные работы училища технического рисования, проекты Максимилиана Месмахера, а также предметы стекла и керамики, созданные студентами во времена ЛВХПУ им. В.И. Мухиной.



«Ну, я здесь, в гостях у Рахманинова!» – всегда узнаваемый голос Михаила Юрьевича Скоморохова раздается на всю гостиную арт-отеля, в котором расположена наша редакция. Вот он говорит по телефону, вот идет на балкон «потихонечку курнуть» и, наконец, садится напротив меня, начинаем разговор. Один из крупнейших режиссеров отечественного детского театра, Скоморохов поставил более шестидесяти спектаклей в Москве, Петербурге, Свердловске, Магнитогорске, Перми…Тридцать с лишним лет он руководит Пермским ТЮЗом, вдохновляя своих коллег и зрителей самого разного возраста.

– Михаил Юрьевич, вы часто бываете в Петербурге? Расскажите о ваших взаимоотношениях с этим городом.

– Так случилось, что я закончил Свердловское театральное училище и работал в Белгороде, затем в Рязани. После – поступил в Щукинку и поехал в Магнитогорск, в Театр кукол и актера «Буратино», которым руководили Витя Шрайман и Марк Бурштейн. Сегодня об их находках рассказывают студентам на кафедре театра кукол, а тогда они были первооткрывателями: смешивались разные жанры, использовались куклы и перчаточные, и тростяные, и тантамарески, и марионетки… Там я защитил свой диплом.

Впервые в Петербург попал уже после окончания Щукинки, когда мы вместе с Марком поехали в Москву и сюда добиваться гастролей. В то время я подружился с Раисой Григорьевной Симоновой, которая была директором Дома культуры и дала дорогу многим молодым режиссерам и актерам. Если показывали что-то прогрессивное, интеллигенция забивала залы до отказа. И я влюбился в этот город, в эту публику. Тем более что мама Марка была из дворян. Дочка виз-адмирала его величества. Она пережила войну, всю свою жизнь отдала театру. Замечательный художник по росписи костюмов.

– С чем связан ваш приезд в этот раз?

– Мы работаем сейчас совместно с художником Ирэной Ярутис над спектаклем «Продавец дождя», премьера которого состоится в сентябре 2016 года на сцене Пермского ТЮЗа. Ее спектакли идут во многих театрах России, в том числе и в Петербурге, она отмечена разными наградами. Самое главное, что она помоложе меня (улыбается), а это всегда полезно. Люблю работать с ней, мы не одну награду уже вместе получили за спектакли.

– Можно ли говорить про петербургскую публику и про пермскую? Или про столичную и провинциальную?

– Нас многое связывает. Во время войны Мариинка был эвакуирована в Пермь. Так наш Оперный театр встал на ноги, открылось музыкальное училище, хореографическое училище. Некоторые педагоги остались в Перми. В то же время и в питерских театрах, и в московских работает много солистов бывшего пермского балета. Наша публика очень добрая, отзывчивая, но у нее послевоенное воспитание. Питерскую публику, я считаю, отличает от московской то, что в ней нет снобизма. У москвичей есть такое: «Мы – на особицу». Они воспитаны на фразах – на репризах в зал. Эта или та фраза смешно звучит сегодня. Актуально, но временно. А питерская публика смотрит глубже, на то, что берет за душу.

– Лев Додин считает, что нельзя поставить классику несовременно – театр всегда говорит сегодняшним языком. Вы согласны?

– Дело в том, что сюжеты, темы, которые вбирают в себя классические произведения – разносторонние. Например, нас учили, что обломовщина – это лень и ужас, а вот Штольц – молодец. А на самом деле произведение было написано Гончаровым не в обвинение Обломова – а с целью показать: вот такая русская натура, мы любим поспать, поесть, но доброта душевная, культура – выше всего этого. Мы можем очень долго тормозить, отставать – и потом рвануть.
Это действительно так. Когда работаешь с артистами разных национальностей, понимаешь, что французы, немцы – более собранные, и они выдают настолько, насколько могут сегодня. И очень легко с ними, казалось бы, идти дальше. Но то, что наши ленивые, иногда не очень собранные в деле, вечно опаздывающие могут иногда совершить художественное открытие – это я знаю.

– Получается, театр прогрессивен по своей природе и всех опережает – родителей, учителей, писателей? Или нет?

– Театр отражает сегодняшнюю жизнь. Если кто-то рассуждает о жизни умнее – их немного – они могут запустить в публику размышление – театр ведь не дает ответа, это не кафедра. Театр ставит вопросы. Посмотрите, какие замечательные спектакли делает Фокин или Могучий – «Синяя птица» с использованием современных эффектов, потрясающе. Поражает в самое сердце и дает размышление на будущее. В Москве периодически бывают такие спектакли, которые становятся для меня открытием.

– Когда я хожу на спектакли Вениамина Фильштинского, поставленные с использованием этюдного метода, я ощущаю, как оживают знакомые произведения…

– Фильштинский – великий педагог. Мы с ним знакомы неплохо, поскольку вместе были в жюри на фестивале «Арлекин». Это же школа. Спектакли из учебного процесса. Для постижения роли у артиста есть слова, написанные автором, и внутренний монолог. Написана реплика «Сейчас я вам отвечу», про себя думаю: «Так, что мне ей сказать? Надо ведь не обидеть девочку и идиотом не показаться в то же время…» И они это добавляют. Не надо смотреть на это так: «Вы похабите Чехова!» Я даже к Акунину, которой пишет по чеховским сюжет, нормально отношусь. Пусть будет всего много. Главное – не нарушать нравственные законы. Нельзя, например, утверждать убийство. Если ты не веришь в бога – нельзя со сцены его отрицать.

– Будучи человеком, который довольно рано возглавил театр, как вы относитесь к молодым режиссерам?

– У меня они всегда ставят и работают. Я взял вашего питерского режиссера, молоденького – он здесь закончил как актер и сразу поступил в ГИТИС как режиссер. Я его поставил главным режиссером – не просто очередным. До него работал тоже молодой режиссер. Они дают нам фору. Рядом должен быть молодой режиссер. Но он не должен болтаться как волос в супе, который хочется выбросить. Он должен быть как гвоздь в …, который не дает сидеть! (смеется) Это действительно так. Но я уважают молодых, которые горят своим делом, разбираются. Не люблю дилетантов. Сейчас, конечно, дилетанты «просели». Но они сами пробьются, а таланту надо помогать.

– Часто случается, что талантливые люди уезжают искать счастье в столицы…

– Как-то раз видел обалденный спектакль в Новосибирске. Актеров из разных театров собрал одаренный продюсер, и потом все они в итоге рванули в Москву. Состоятся ли их судьбы так, как они могли состояться в Новосибирске? Это вопрос. У меня тоже есть потери, уходили хорошие артисты, которые в итоге не стали актерами. Я знал, что так произойдет. Это беда. Я помню, когда Гончаров взял Самойлова, который уже в кино снимался, и его знали по фильмам. Судьбы могут состояться. Но это бывает редко. А родной город теряет, порой, незаменимое.

– В крупных городах иногда происходит так, что сильные спектакли залов не собирают, а посредственные по оценкам критиков постановки пользуются популярностью.

– В Питере хороших спектаклей очень много. Есть выбор. Раньше центральное управление культуры гастролёров пускало крайне редко. Театр кукол из всех театров мог попасть на гастроли сюда один раз за пять лет на две недели. Не пускали. Поэтому свои театры были забиты зрителем. А сегодня самый нашумевший европейский спектакль может остаться без внимания. В Москве много людей, которые приехали в командировку они всегда заполняют часть зала. Разве во МХАТ можно было раньше в день показа спектакля попасть?

– Зритель юный и не юный – о чем важно помнить, когда ставишь спектакль для детей?

– Замечательно, когда подростки приходят в театр вместе с родителями. Смешанный зал. Это праздник для обоих. Людей старшего поколения не должны раздражать молодые своим эмоциональным восприятием. В Перми за 34 года получилось так, что уже воспитан свой зритель. Сперва они ходили, будучи студентами, а сегодня они уже моего возраста, и это счастье – они водят внуков на спектакли.

Я раньше ставил спектакли именно для своих детей. Нравилось им – нравилось и залу. Этим принципом я жил. Хочется сегодня поддержать молодых, которые будут дальше работать. Я исповедую одну заповедь на театре: зритель умнее нас. Надо понимать, что всегда найдется тот, кто знает больше. Наше искусство должно быть таким, чтобы дети были тронуты, но чтобы они уходили со спектакля с надеждой, с верой в себя. Давать уверенность в том, что завтра они станут хозяевами жизни.

Беседовала: Юлия Батракова



Произведения искусства порой настолько меня впечатляют, что требуется немедленное «заземление»: начинаю раздавать советы друзьям, иду смотреть и слушать еще раз, пишу в стол и не в стол, плохо сплю. Музыка, особенно классическая, часто дает такой эффект. Но с живописью – всегда было сложнее. До тех пор, пока на днях арт-форум «Зимняя неспячка» не собрал в Петербурге известных российских и зарубежных художников. Этот творческий водоворот крутил меня, не давая опомниться. Итак, делюсь своим скромным мнением.

Особенно зрелищным событием «Зимней неспячки» стал мастер-класс, на котором художники в режиме реального времени работали над картинами в творческом пространстве Antik&modern ART-Club-Gallery. Вы часто скучаете на выставках, можете легко обойти Русский музей за пару часов и искренне не понимаете, как можно было купить картину Пабло Пикассо «Певица Кабаре» за $67 млн? Что ж, возможно, вам стоит своими глазами понаблюдать за работой художника. Это восторг. Это то, что нельзя сфотографировать и унести с собой. Описывать – тоже дело неблагодарное. Могу сравнить: картина есть путешествие, в которое берут не всех. Если же вы ловите момент создания или беседуете с художником, пытаетесь понять его – вы словно получаете золотой билет. По крайней мере, такой шанс есть.

Конечно, большие дела делались и за семь дней, однако меня удивляет, как можно написать картину в сжатые сроки или вовсе за считанные минуты. Участник арт-форума монгольский художник Отгонбаяр (Отго) Эршуугийн, который живет и работает в Берлине, говорит о своих дедлайнах: два-три года на одну работу. Три тысячи лошадей на полотне – это вам не шутки. С одной стороны, смотришь на все это – и видится минимализм, с другой – подобно тому, как окружающие нас предметы состоят из мельчайших частиц, причудливый орнамент картин Отго, если подойти ближе, обнаруживает хаотичное множество деталей. На «Зимней неспячке» появляется картина, про которую зрители без конца спрашивают, закончена ли она. И правда, как, улыбаясь, заметил Олег Яхнин, «штормовое предупреждение» какое-то. Дождь. Но вы всмотритесь, поучает Отго, не все же должно быть очевидно. И тут из дождя, ей богу, медленно выходит лошадь.

Картина – это диалог, разговор двоих: того, кто рисует, и того, кто смотрит. Чтобы увидеть, просто смотреть недостаточно. Конечно, можно вступить в диалог словесный и задать художнику неприличный вопрос – что он здесь имел в виду? Но лучше – поразмышлять самому. Иногда художники видят друг у друга что-то, совершенно не доступное взгляду простого обывателя вроде меня. Например, на картине Анатолия Белкина, которая находится в коллекции арт-отеля «Рахманинов», участниками форума была замечена тень, которая не принадлежит никому из персонажей сюжета. Может быть, это тень самого Белкина? «На самом деле здесь два лица – мужское и женское…» – объясняют мне умные люди про другую картину – работу молодого участника из Армении Армана Амбарцумяна. Не знаю, правда ли это, только мне бы и в голову такого не пришло. Я слишком отвлекаюсь на изображения пальцев, особенно если это пальцы музыканта.

Разные виды искусства, безусловно, не так уж далеки друг от друга. Картина – это музыка, которая запускается вами, звучит в ваших ушах. Только для нее нужно постараться. Иногда это тишина, что тоже неплохо. Вы не слышите картину? Просто не нужно пытаться потреблять ее, как мы зачастую в скорости и без особого труда потребляем популярную музыку. Это невозможно. Лучше сходите в кино, в кафе, развейтесь. А для картины приходите с «духовной жаждой», с открытым сердцем, простите за пафос. И тогда можно будет, если повезет, немножко послушать прекрасного. Блок считал, что слышит музыку сфер. Я думаю, эта музыка робко и непрерывно звучит в Эрмитаже, пока все ошалело фотографируются с «Мадонной Литтой» да Винчи. Времени всегда не хватает, друзья, так почему бы не заглянуть в одну конкретную картину, как в окно, или не открыть ее, как хорошую книгу.

Еще, наверное, хочется думать, что живопись позволяет обратиться к вечному, разобраться в себе, что она – терпеливый учитель. Смотришь так на работы литовского художника Валентиноса Варнаса и думаешь: пора бы наведаться домой, в свой родной город. Потому что улицы и дома его Вильнюса выглядят на них так, что чувствуется любовь художника к месту, где он живет. Один и тот же город, появляясь на картинах разных художников, принимает самый разный вид. Темой мастер-класса «Зимней неспячки» стала «Музыка города», и, безусловно, «красный» Петербург художника Ивана Куренбина с нотками тревожности и драматизма совсем не похож на Петербург Инны Денищик из Бреста – с ее легкой питерской музыкальностью, ритмом, играющими отражениями.

И, конечно, Петербург Василе Толана из Румынии или литовской художницы Меды Норбутаейте, которая открыла свою выставку на арт-форуме, – еще одно значимое высказывание в этом разговоре о нашем любимом городе. Кстати, картины Меды только вначале кажутся «безлюдными», незримое присутствие человека отчетливо ощущается. Вероятно, именно под человеческим взглядом все эти предметы становятся зыбкими, начинают плыть и словно растворяться в воздухе. Наше видение мира – не есть подлинный мир, как бы говорит Меда. Красота, разумеется, в глазах смотрящего. У вещей есть своя история, живая память. В них – следы людских отношений, которые исследует художница. В общем, привет Канту и Сартру. А с другой стороны – для меня это написано любовно, чувствуется романтика – легкая, не слащавая.

Говорят, что хороший роман можно писать, дополнять, редактировать бесконечно. Что его нельзя закончить, а можно на время оставить в каком-то приемлемом состоянии. С картинами – так же. Врубель подправлял своего «Демона» прямо на выставке, снова и снова накладывал краски, менял положение фигуры, фон и выражение лица. На нашем арт-форуме длительный процесс «подправления» тоже имел место. Это говорит о том, что картина живая, имеет свою судьбу, и эта судьба может быть разной. Одни художники не дают покоя своим картинам, другие же, например, участник «Зимней неспячки», белорусский Энди Уорхол – Сергей Гриневич – рассказывает, что когда картина готова – она больше не интересна ему. Другое дело – новая, незаконченная. На мастер-классе Сергей перенес на холст образ одного из важнейших символов Северной столицы – композитора Сергея Рахманинова. Сильный, монументальный, мужественный.

«Нет ничего лучше, чем только что написанное стихотворение. Нет ничего лучше, чем осуществленная любовь», – уверен современный поэт Дмитрий Воденников. Возьму на себя смелость и скажу, что только что написанная картина – тоже безумно прекрасно. А вот любовь к искусству рекомендуется осуществлять, например, так: приходить на выставку работ участников «Зимней неспячки 2016» в арт-отель «Рахманинов», а буквально через месяц – в выставочное пространство ARTWAY Design Hotel. Кроме того, в Мраморном дворце открыта выставка мэтра и соорганизатора арт-форума Олега Яхнина – и это нужно видеть. Словом, еще есть пара золотых билетиков.

Текст: Юлия Батракова



17 и 18 декабря в Петербурге состоялась презентация книги французского филолога-слависта Ренэ Герра — «О русских — по-русски».

Уникальное издание включило в себя автографы, письма, книги, картины, огромное количество графики — свидетельства активной творческой жизни послереволюционной эмиграции русских во Франции. Многие свидетельства тех лет дошли до нас в единственном экземпляре, хранятся в коллекции Ренэ Герра и впервые публикуются в этой книге. Повествование в книге ведется от первого лица, и этот монолог позволяет понять, насколько велико дело всей жизни Ренэ Юлиановича по сохранению единого пространства русского культурного мира.



16 декабря арт-отель «Рахманинов» приглашает на выставку Марии Колышкиной, посвящённую 150-летию невероятной сказки Льюиса Кэрролла «Алиса в Стране чудес».

Наша всеми любимая Алиса празднует свой…150-й день рождения! Посетители выставки смогут погрузиться в атмосферу чистого воображения, любопытства и вдохновения, познакомиться с очаровательными и сумасшедшими героями Страны чудес и, конечно, вновь восхититься оригинальностью английского романиста.

Удивительный мир символической логики, иносказательно-нелепых образов, парадоксов и тонкого юмора писателя воссоздан Марией Колышкиной с завораживающей новизной. Стремительно развивающееся зрелище представляет собой сочетание диковинных предметов, юмористически окрашенных персонажей, вовлекающих зрителя-читателя в бурный поток фантазии и творческой мысли.

Мария Колышкина – одна из лучших графиков Санкт-Петербурга, ученица известного российского художника Олега Яхнина. Для ее работ характерна редкая способность проникнуть в текст и выразить в линиях, штрихах, пятнах скрытую сущность литературных героев и драматическую сложность затрагиваемых тем, сплетения пространственных и временных элементов произведений.

Художница окончила Институт декоративно-прикладного искусства (кафедра станковой графики), участвовала во многих выставках и конкурсах печатной графики в России и за рубежом. Лауреат Международной выставки «Против ненависти» (Польша), лауреат конкурса грантов «Музы Санкт-Петербурга», лауреат II Международной Биеннале малых форм графики и экслибриса «Игры царей-2013» (Брест).

Также Мария по праву стала участником выставочно-издательского проекта «Современные художники России» (выставка и альбом), подготовленном Хэйлунцзянской ассоциации по обмену и изучению российской живописи совместно с Фондом «Искусство графики».

Книга с иллюстрациями Марии Колышкиной к «Алисе в стране чудес» вышла в свет в рамках издательского проекта Анатолия Данилова.

Место: арт-отель «Рахманинов», Казанская, 5.



Арт-холдинг «Рахманинов» совместно с Фондом «Искусство графики» открыл новую экспериментальную арт-площадку для продвижения различных видов искусства Antik&modern art Club-Gallery. В новом арт-пространстве при тесном сотрудничестве с арт-отелем «Рахманинов» и интернет телеканалом ARTWAY.TV проходят выставки, вернисажи, семинары, мастер-классы, встречи, арт-промоушн.

Ноу-хау кураторов – АРТ-БЕНЕФИС. Проект дает возможность художникам представить свое творчество широкому кругу специалистов, потенциальным клиентам и, конечно, друзьям.

Очное участие

ART-БЕНЕФИС начинается в 12.00 серией слайд-шоу Ваших работ (при необходимости можем сфотографировать ваши работы мы). Одна или две работы выставляются на мольбертах. К 19.30 собираются приглашенные и друзья художника, начинается вернисаж Art-бенефис! Слайд-шоу, шампанское, легкий фуршет, художник или куратор представляет мастера публике. Далее – общение, знакомства и прочее в формате вернисажа.

Арт-холдинг «Рахманинов» с помощью команды ARTWAY.TV создает серию онлайн фоторепортажей и промо-фото, которые размещаются по всем сетям (fb, twitter, instagram, vk – общая аудитория 30 тыс чел) со ссылкой на сети художника.

Возможно дополнительно обсудить издание специализированного каталога художника от галереи, который станет визитной карточкой для художника. Стоимость зависит от тиража. А также организацию персональной выставки.

Участникам проекта предоставляется скидка на проживание в арт-отеле «Рахманинов» до 50 % в зависимости от сезона.

Заочное участие

Художник предоставляет слайд-шоу своих работ, которое во время мероприятия познакомит приглашенных гостей и посетителей галереи с его работами. Также в течение трех дней по всем сетям арт-холдинга (fb, twitter, instagram, vk) будет вестись промоушн творчества художника.

Дополнительно – слайд-шоу работ с именем и контактами художника будет демонстрироваться на ТВ-экране арт-отеля «Рахманинов», ARTWAY design hotel (Невский, 16) и в арт-кафе финской резиденции арт-холдинга – Rajan Loma.

Будем рады ответить на любые вопросы: info@artway.tv



Настал тот день, когда Высокая мода наконец выйдет за пределы закрытых показов для узкого круга членов фэшн-сообщества. 12-13 декабря фестиваль российской моды SPb Fashion Fest представит серию грандиозных фэшн-шоу, посетить которые сможет любой желающий.

Билеты, доступные на KASSIR.RU, а также в главном штабе фестиваля –  ARTWAY design hotel, позволят не только увидеть собственными глазами новые коллекции самых успешных российских модельеров, но и в полной окунуться в волшебный мир дизайнерской моды: попасть в объективы светских хроникеров глянцевых журналов, насладиться самыми модными коктейлями, поболтать со звездами на роскошных вечеринках и точно так же, как они, подобрать себе парочку кутюрных нарядов прямо с подиума. Кстати, самого большого за всю модную историю Петербурга!

SPb FASHION FEST – уникальный и ультрасовременный проект компании DC event. В отличие от традиционных Недель моды и фэшн-мероприятий, попасть на которые могут лишь профессионалы, клиенты Модных домов и знаменитости, SPb FASHION FEST предлагает каждому жителю города познакомиться с творчеством известных дизайнеров и брендов, создающих одежду, обувь, аксессуары и ювелирные украшения.

[nggtags gallery=2723]

Среди хедлайнеров проекта – известные российские дизайнеры: Янис Чамалиди, Полина Раудсон, Игорь Гуляев, Стас Лопаткин, Катя Андержанова, Алексей Шаленый, Александр Петров, Эмилия Вишневская, Лилия Киселенко и другие. Главным организатором события выступает авторитетный эксперт моды и известный фэшн-продюсер Филипп Фиссен.

В рамках двухдневной подиумной программы фестиваля российской моды SPb FASHION FEST в Петербурге пройдут двенадцать модных показов и две грандиозные вечеринки в ресторанах Ginza Project. А уже на следующий день стартует официальный шоу-рум в Гранд Паласе, где любую из понравившихся на показах вещей можно будет примерить и приобрести!

Мероприятия состоятся в мультимедийном центре «Хрустальный павильон» на Крестовском острове.



3 декабря на Открытой киностудии «Лендок» прошел предпремьерный показ документального фильма «Реальная цена моды» американского режиссёра Эндрю Моргана.

Призыв к «эко, био и органик» нынче набирает популярность. Экологическая ситуация в мире начинает волновать нас все сильнее, но, увы, волнение, как правило, ограничивается исключительно призывом, привлечением внимания к проблеме. Картина «Реальная цена моды» посвящена миру высокой моды и тому, что скрывается в «закулисье» этой индустрии.

Сюжет повествует, в первую очередь, о том, как податливы мы, живущие в современном обществе, влиянию модных тенденций и рекламных компаний, и о том, что стоит за этой огромной индустрией, в которую вовлечены миллионы людей по всему миру! Главный посыл режиссера сводится к тому, что потребитель должен перестать покупать одежду производителей «быстрой» моды (таких как H&M, ZARA, Forever 21 и тому подобных) и инвестировать в качественные, пусть и более дорогие, вещи.

[nggtags gallery=2721]
[nggtags gallery=2722]

С грустью хочется отметить, что вряд ли этот «месседж» найдет отклик у широкой зрительской аудитории, поскольку мир, в котором мы живем, всецело принадлежит массовому потребителю, и быстро развивающиеся технологии только поддерживают те тенденции, о которых говорят авторы. И эта картина — лишь капля в море, едва ли способная оказать ощутимое влияние на происходящие процессы.

Тем не менее приятно осознавать то, что есть люди, не равнодушные к экологическому загрязнению нашей планеты и низкому качеству жизни стран третьего мира, призывающие в столь убедительной форме других следовать собственному примеру. Возможно, вскоре эти идеи станут более популярны среди среднестатистических покупателей, что приведет к настоящим переменам на рынке.

 

ТЕКСТ: Стася Куренбина



4 ноября в фотогалерее «Рахманинов Дворик» открывается выставка «Монолог со временем» московского фотографа Николая Филиппова.

Николай Филиппов – мастер документального жанра. Взяв в руки фотокамеру в середине прошлого века, он зафиксировал на плёнке не только ряд событий, знаковых для нашей страны, но – и это, наверное, главное в его творчестве – сделал тысячи кадров, представляющих картину не столь далекого, но безвозвратно ушедшего времени.

Снимки Филиппова можно рассматривать как фотоновеллы, в основе которых — авторский монолог со временем. Субъективная документалистика отчётливо читается в каждом отпечатке, что придаёт работам фотографа дополнительную ценность.

Естественно, выставка представляет лишь небольшую часть снимков мастера, но, по мнению куратора, предлагаемый отбор позволит зрителям соприкоснуться с атмосферой советской эпохи, ощутить её аромат и своеобразие. В экспозицию вошли 18 чёрно-белых бром-серебряных отпечатков.

Выставка продлится до 6 декабря.

Печать фотографий — Нина Микешина (Фотохроника ТАСС).

artway.tv В Эстонии завершился XXI международный фотофестиваль «Нарвская осень»


С 3 по 4 октября в Доме культуры «Ругодив» эстонского города Нарва прошел XXI международный фотофестиваль «Нарвская осень», собравший участников из Прибалтики, Скандинавии и России.

Фестиваль «Нарвская осень» известен своей демократичностью: каждый, кто считает собственные работы достойными внимания зрителей, независимо от жанра, темы, техники исполнения, может стать его участником. Цель – определить состояние современной творческой фотографии, оценивая уровень представленных на блиц-конкурсе работ.

В состав членов жюри в этом году вошли: фотограф Сергей Дроздик (Нарва), члены Общества фотоискусства Эстонии Кристель Лукатс (Таллинн) и Яан Кюннап (Таллинн), фотограф Эдуард Садала (Нарва), искусствовед и художник Ирина Сопина (Нарва).

Более 500 работ в короткие сроки требовалось оценить в номинациях: «Портрет», «Пейзаж», «Жанровая фотография», «Стрит-фотография», «Макро», «Обнажённая натура», «Репортаж» и др. Также члены жюри должны были определить лучшую монохромную и лучшую цветную коллекцию. Отдельно рассматривались работы участников младше 18 лет. В номинации «мобилография» участвовала фотограф из Санкт-Петербурга, лауреат IV открытой национальной фотопремии «Лучший фотограф» Sana Petra.

Программа фестиваля включала помимо конкурса мастер-класс Сергея Степанова «Опыт работы фотожурналиста в международных средствах массовой информации», творческую встречу с эстонским фотографом Эдуардом Садала, выставку акварелей в Нарвском колледже Тартуского университета, выставку семейных фотоальбомов Аделины Соколовой и творческих работ членов фотоклуба «Нарва».

В следующем году организаторы фестиваля «Нарвская осень» планируют увеличить число его участников и расширить географию их представительства.



С 4 по 6 октября в финской арт-деревне Rajan Loma прошел II международный форум OMENA-ART, в котором приняли участие выдающиеся художники Санкт-Петербурга и Иматры.

Программа этого мероприятия включала творческий симпозиум и пленэр. Для всех желающих художники провели открытые мастер-классы.

В прошлом году в рамках одного из перформансов участники форума OMENA-ART рядом с домиками деревни высадили молодые яблони и украсили их расписанными палитрами. Каждое дерево теперь носит имя двух художников из разных стран, став частью концептуального арт-пространства деревни. В этот раз коллекция живописи Rajan Loma вновь пополнилась картинами, созданными непосредственно на форуме.

Арт деревня Rajan Loma – это творческая резиденция петербургских художников, созданная при спонсорской поддержке петербургского арт-отеля «Рахманинов» с целью активного расширения и укрепления дружеских отношении между людьми разных национальностей и для творческого отдыха.

Мы верим в то, что красота и творческая инициатива спасет мир!

[nggtags gallery=omena2015_rf_1]

[nggtags gallery=omena2015_rf_2]

[nggtags gallery=omena2015_rf_3]

[nggtags gallery=omena2015_rf_4]

[nggtags gallery=omena2015_rf_5]

[nggtags gallery=omena2015_rf_6]

[nggtags gallery=omena2015_rf_7]

[nggtags gallery=omena2015_rf_8]

[nggtags gallery=omena2015_rf_9]

[nggtags gallery=omena2015_rf_10]

[nggtags gallery=omena2015_rf_11]

[nggtags gallery=omena2015_rf_12]

 

artway.tv «Божественная Майя»: от Пьера Кардена до Татьяны Парфеновой


2 октября Музей театрального и музыкального искусства представил петербургской публике новый проект о взаимовлиянии театра и моды, посвященный Майе Плисецкой.

Балет и мода – сообщающиеся сосуды. Особенно если речь идет о жизни и творчестве Майи Плисецкой. Костюмы для ее балетов создавали Ив Сен Лоран и Жан-Поль Готье, с Пьером Карденом балерину связывали 35 лет дружбы, вечерние туалеты и повседневные платья от Кардена занимали почетное место в ее гардеробе. В 1998 году художник моды и его муза организовали совместное шоу «Мода и Танец», в котором была представлена ретроспектива балетов Плисецкой и коллекция Кардена.

Однако мемориальными экспонатами выставка отнюдь не ограничивается. Именитые петербургские кутюрье и талантливые новички разработали авторские наряды по мотивам творчества Плисецкой и представили их в экспозиции. В проекте участвуют: Татьяна Парфенова, Татьяна Котегова, Алена Ахмадулина, Елена Бадмаева, Янис Чамалиди, Стас Лопаткин, Игорь Гуляев, Ия Йотс, Владислав Аксенов, Лариса и Александра Погорецкие.

К выставке «Божественная Майя» были приурочены встречи с петербургскими кутюрье, вечера воспоминаний о Майе Плисецкой, популярные лекции об истории моды. Экспозиция открыта в Шереметевском дворце до 8 ноября.



Немецкий фотограф Ян Шлегель более пятнадцати лет путешествовал по Азии и Африке, создавая серию портретов жителей исчезающих племен. На днях он побывал в России уже с новым арт-проектом, связанным с молодежными субкультурами. О том, что общего у молодых африканских туземцев и современных подростков, о неоднозначных эффектах глобализации и своем уникальном опыте Ян рассказал корреспонденту ARTWAY.TV.

– Эти несколько дней в Петербурге вы работали над новым проектом. Как появилась его идея?

– Как вы знаете, я часто бываю в Африке и занимаюсь параллельно другим большим проектом, посвященным исчезающим племенам, делаю фотосессии. Меня очень волнует тот факт, что это культурное наследие может быть навсегда утрачено. В какой-то момент я заметил, что многие элементы украшений, которые используют африканцы, – ушные тоннели, пирсинг, шрамирование – можно наблюдать и в цивилизованном мире, в основном у представителей молодежных субкультур. И я понял, что хочу показать через свои работы это сходство между старым и новым. Глобализация ведет к тому, что жители племен стремятся походить на нас, теряя свою неповторимость. При этом то, что в их культуре считается признаком силы и красоты, в нашем обществе может вызывать порицание и неодобрение. Это неправильно, на мой взгляд.

– Какие страны участвуют в вашем проекте? Как долго он продлится?

– Первые снимки я начал делать около года назад. Еще нет никакой информации об этом в интернете, всё в процессе, в работе. Собираюсь посвятить ему три-четыре года. Среди предполагаемых участников – США (Калифорния), Китай (Шанхай), Япония, Сингапур, Германия, Великобритания и, конечно, Россия. Посещение Петербурга стало одним из важных моментов. Я сделал очень много фотографий, нашел много чудесных лиц, познакомился с интересными людьми. В мае я уже приезжал сюда в рамках того же проекта, остался очень доволен, и вот, я снова здесь.

– Когда вы жили в Африке, как вам удавалось расположить местных жителей к себе, уговорить их позировать перед камерой?

– Сперва я приезжал и просто жил несколько дней в деревне: ел с ними за одним столом, разговаривал, чтобы подружиться. Никаких съемок. Потом уже понемногу начинал им объяснять, как происходит процесс съемки. Только после этого делал первые фотографии. И никто никогда не отказывался. Затем я возвращался с уже напечатанными снимками в ту же деревню, показывал их моделям, и это было очень волнительно для них. Порой, возвращался в одно и то же место по 5-6 раз. Я знал их, а они узнавали лучше меня, и мы действительно становились друзьями. Удобно то, что у меня есть своя переносная фотостудия, свой свет, фон, камера на штативе.

– Всегда ли у вас получалось правильно понять друг друга? Возможно, случались какие-то забавные истории…

– Если вы зайдете на мой сайт, то на одном из фото увидите человека с крокодилом на плече. Это мой очень хороший друг Биво. Мы приезжали в деревню группами по несколько человек, в числе которых были медсестры, ассистенты и т. д. Электричества там нет, поэтому ночью мы носили налобные фонарики, которые очень нравились туземцам. Они часто подходили и делали просящий жест руками. Люди, с которыми я приехал, не знали, что этот жест означает «отдать навсегда». Поэтому вся моя команда отдала свои фонарики, и больше у нас света не было. А Биво в тот момент отсутствовал и потом переживал, что ему ничего не досталось. Когда же в следующий раз я встретил его в другой деревне, то решил подарить ему большой цилиндрический фонарь для палатки, который дала мне в дорогу жена. Когда стало темно, он пришел с зажженным фонарем, завязанным на голове в виде короны. Его можно было увидеть издалека (смеется).

[nggtags gallery=Jun_rf_1]

[nggtags gallery=Jun_rf_2]

– Некоторые антропологи считают, что современные подростки имеют много ожиданий от жизни, чересчур беспокоятся о будущем и менее счастливы, чем дети из африканских племен. Вы согласны с этим?

– С одной стороны, все молодые люди в чем-то похожи. Девушки из племени масаи тоже мечтают о любви и хотят быть привлекательными, а парни хотят быть лидерами. Только в Африке они должны проявить себя в поединке, а в цивилизованном мире есть другие способы самоутверждения. С другой стороны, нужно понимать, что у них свои специфические проблемы. Пока мы жили в одной из деревень, двое из пяти детей умерли. Многие начинают работать с раннего возраста. Развитие туризма повлекло за собой такие беды, как алкоголизм, проституция, различные болезни. Их жизнь кажется нам простой, в ней словно бы есть элементы романтики, но отчасти это иллюзия. Африканцы действительно не думают о своем будущем, потому что не представляют, каким оно будет, не заглядывают так далеко. Когда нет ожиданий, нет и разочарований.

Интересно, что взаимозависимость имеет для жителей этих племен большое значение. Они не изолированы, поэтому нет ощущения одиночества. За время путешествий по западным странам я встретил очень много по-настоящему одиноких людей. Да, у нас много возможностей, но мы отдаляемся друг от друга.

– Вы легко переключаетесь с саванны и деревенской обстановки на шумный мегаполис?

– Да, для меня это легко. Знаете, неважно, где я – сижу ли у огня под звездами в маленьком африканском поселении, беседую ли здесь с вами в красивом отеле в центре большого города – я одинаково счастлив. Когда любишь людей, легко быть довольным жизнью в любом окружении.

– Сейчас вы фотографируете представителей субкультур возраста от 18 до 25 лет. Каково ваше мнение о них как о новом поколении?

– Они клевые! Очень креативные и изобретательные. В хорошем смысле не удовлетворены и всегда чего-то хотят, чего-то ищут. И они реализуют себя в сам разных сферах и направлениях. Глобализация делает всех одинаковыми – это касается одежды, образа жизни и пр. А эти ребята хотят быть другими, сопротивляются, ломают стандарты, в том числе за счет пирсинга и других средств, позволяющих выделиться. Я считаю, это очень красиво. Кроме того, они используют все возможности глобализации, в частности, соцсети. Десять лет назад мир тинэйджера был очень маленький. А потом появился интернет. И внезапно они смогли общаться с людьми со всего мира и заводить друзей в Сингапуре, Германии, Китае и т.д. Сегодня ребята делятся идеями друг с другом. Они стали людьми мира. И я вижу, как через весь этот процесс молодые люди пытаются найти себя.

– Выходит, глобализация дала им в руки инструменты сохранения и развития собственной субкультуры?

– Да. Собственно, так субкультуры и укрепляются. Теперь подростки не зависят от тех, кто находится непосредственно рядом с ними. Людей из разных стран объединяют общие идеи. Они строят свою культуру всемирно. Я считаю это поразительное молодое поколение. Ни одно поколение до этого не имело таких возможностей общения и свободы перемещений. Вопрос в том, как они будут использовать это. В настоящее время я также много работаю со студентами, обучаю фотосъёмке. Мне нравится раскрывать их потенциал.

– Ян, скажите, чем вы руководствовались при выборе отеля в Петербурге?

– У меня есть приложение на телефоне по поиску отелей. С помощью него я смотрел, где могу пожить в центре города, и наткнулся на арт-отель «Рахманинов». Мне и раньше приходилось бывать в отелях, которые позиционировали себя как арт-организации, но на самом деле они не являлись таковыми. К примеру, в Германии в одном из них просто висело несколько картин – не более того. Но когда я остановился здесь, то сказал себе: «Вот это да! Настоящий арт-отель!» Здесь и редакция интернет-телеканала, и коллекция живописи, и своя фотогалерея «Рахманинов Дворик». Мне хочется самому сделать здесь свою выставку. Словом, я в восторге!

 

Беседовала Юлия Батракова

Фото для журнала «GEO»



17 сентября в уютной гостиной арт-отеля «Рахманинов» пройдет встреча-дискуссия в рамках нового проекта «АРТЛИКБЕЗ».

Арт-отель «Рахманинов» давно уже вышел за рамки общепринятых концепций. На фоне мини-отелей Петербурга он выделяется не только внушительной коллекцией подлинных шедевров живописи, фотографии и предметов антиквариата – здесь кипит творческая жизнь: регулярно проходят вернисажи, музыкальные вечера, фестивали. А недавно список творческих проектов арт-отеля пополнился еще одной необычной затеей под названием «АРТЛИКБЕЗ».

«АРТЛИКБЕЗ» – это больше, чем просто курс лекций об искусстве. Серия встреч-дискуссий нацелена то, чтобы дать возможность любому желающему легко разобраться в интересующих его вопросах, научиться отличать один стиль от другого, настоящее от второсортного. В компании обаятельного искусствоведа Аурелии Тали любая, казалось бы, сложная тема приобретает интересную и доступную для понимания форму. В пространстве старинной гостиной арт-отеля участники проекта погружаются в атмосферу эстетики экзальтированного и прекрасного стиля модерн, обсуждают историю формирования реализма, восхищаются наполненным «золотым светом» искусством Византии и лучшими образцами современного искусства.

«Изучая с нами основы стилевых особенностей, слушатели получают не узкоспециализированные знания, а базовый объем, который позволяет каждому образованному человеку ощущать себя комфортно, беседуя на общекультурные темы, посещая выставки и просто гуляя по нашему замечательному городу, где каждый фасад имеет свою историю. Искусство – это отражение мировоззрения, истории, самосознания человека, его путь к самому себе, книга его души. Но чтобы читать ее, нужно знать особые правила», – считает Аурелия.

Встреча, которая состоится 17 сентября, будет посвящена теме становления искусства Возрождения. Именно в этот период европейской истории формируются те культурные, эстетические, мировоззренческие ценности, с оглядкой на которые мы живем и сегодня. Гостей ждет увлекательное путешествие по основным этапам эпохи: от Проторенессанса до Высокого Ворождения, от Джотто, Брунеллески и Донателло до Ботичелли, Леонардо да Винчи и Рафаэля. Если вы интересуетесь искусством и мечтаете блеснуть своими знаниями в кругу друзей и коллег – самое время присоединиться к проекту!

Начало: в 19:00.
Продолжительность 2,5-3 часа.‪
Место: Казанская, 5.



Выставка Олега Яхнина “Донжуанский список Пушкина” продолжит свою работу в арт-отеле “Рахманинов” до 11 августа. Это последняя возможность увидеть оригинальные работы художника.

В этом году по всей стране отмечали 216-й день рождения Александра Сергеевича Пушкина, и специально к этой дате заслуженный художник России, Олег Яхнин, создал проект по одноименной книге П.К. Губера. Александр Сергеевич известен не только как великий поэт и писатель, но и как знатный ценитель женской красоты. Представительницам прекрасной половины человечества посвящено немало его стихотворений.

Посетителей выставки ждут графические работы, ставшие авторскими интерпретациями портретов любимых женщин Пушкина. Художник изобразил прекрасных дам в гротескной манере быстрой зарисовки, когда, как в карикатурах, выделяются характерные черты персонажей.

Олег Яхнин – один из самых успешных художников современности, сочетающих в своем творчестве нормы живописи и графики. Профессор, автор и руководитель более 40 международных проектов, в том числе “Международной Триеннале Графики в Санкт-Петербурге”. За плечами у него 73 персональные выставки, более 70 книг с его иллюстрациями, а также участие в около 600 выставках в России и других странах мира. Его работы хранятся в престижных музеях и частных коллекциях многих зарубежных стран.

Израиль


В июне прошлого года члены редакции ARTWAY.TV по приглашению Министерства по туризму Израиля провели пять незабываемых, насыщенных разнообразными событиями дней в Тель-Авиве, на Мертвом море и в Иерусалиме.

Гастрономические открытия, завораживающие виды и неожиданные знакомства – все это соединил в себе увлекательный пресс-тур. Это был весьма полезный и в творческом отношении опыт, впечатлениями от которого они поделились не только в развернутом фотоотчете блога редакции, но и во вдохновляющем видеосюжете, который мы предлагаем вам посмотреть и вместе с нами насладиться очарованием этой необыкновенной страны!

Кстати, в рамках этого продуктивного пресс-тура Израиль посетил и фотограф Sana Petra, дипломант 4-ой открытой международной фотопремии «Лучший фотограф» (2014 год) в номинации «Мобилография/Природа». Ее фотографии из поездки можно увидеть в галерее «Рахманинов Дворик» на персональной выставке уникального проекта #Мобилография (#Mobilografia) до 12 июля. Не пропустите!

 

 



30 мая на Большой сцене ТЮЗа участники международного театрального фестиваля «Радуга» увидели спектакль «Двое бедных румын, говорящих по-польски» польского Театра «Studio». Сценическая версия режиссера Агнешки Глинской знаменитой пьесы Дороты Масловской – пожалуй, самого выдающегося современного польского драматурга – явила петербургскому зрителю настоящее национальное прочтение.

«Двое бедных румын, говорящих по-польски» – этакая кокаиново-алкогольная одиссея по дорогам Польши двух случайно встретившихся на вечеринке персонажей. Сериальная «звезда» Парха и матерь-одиночка Джина переодеваются в нищенскую одежду и разукрашивают зубы черным фломастером, решая выдать себя за «румын». Так современные поляки называют цыган-попрошаек, не вникая в тонкости истории послевоенной миграции народов-апатридов. За время этого комичного, казалось бы, квеста перед нашими глазами проходит целая галерея польских характеров.

Автор пьесы Дорота Масловская известна своим умением поразительно точно и живо передавать разговорную речь – именно тот язык, на котором говорят на улицах, в барах, с друзьями и дома. С первых минут спектакля этот бурный поток польской речи захватывает нас и несет к развязке с невероятной скоростью, не оставляя надежды успеть прочесть субтитры. Бросается в глаза минимализм декораций, которых почти не замечаешь, всё больше сосредотачиваясь на репликах и игре актеров.

«При работе над постановкой мы искали особую пропорцию между тем, что зритель видит и тем, что должен понять посредством фантазии. Хотелось, чтобы он мог в большей степени домысливать происходящее на сцене. Это скорее своего рода игра в театр. Например, когда герои едут на машине – у нас нет ни руля, ни собственно автомобиля. Они просто изображают. Какой-то масштабной инсценировки тут нет, главное – в словах», – объясняет режиссер Агнешка Глинска.

Спектакль действительно не такой легковесный, как это может показаться вначале. Полное приключений путешествие по Польше оборачивается неожиданным исходом – самоубийством героини. Зритель понимает, что «румын» – это маска, не скрывающая, а в конечном счете обнажающая теневую сторону личности каждого из персонажей, их желание с помощью перевоплощения возвыситься в собственных глазах, паталогическое неумение найти свой путь в жизни. Смешивая воедино «фантастически смешное», «наивное» и «трагическое», режиссер, наконец, ставит нас перед главным вопросом: «Почему мы считаем себя лучше кого-либо другого?»

Сегодня Агнешка Глинска – один из самых талантливых театральных художников своего поколения. Ее конек – переосмысление классической литературы, в частности пьес Эдэна фон Хорвата и Антона Чехова, а также глубокое понимание актеров, с которыми она работает. В то же время спектакль, поставленный по современной «Двое бедных румын, говорящих по-польски» стал одним из ее самых больших успехов, получив множество театральных премий в Польше. «Знакомство с этой пьесой для меня очень важно. Она задает серьезные вопросы и при этом приобретает новую форму сценического выражения», – признается Агнешка.

Отметим, что театр «STUDIO» имеет богатую традициями историю. Кроме того, это поистине прогрессивный европейский театр. Коллектив делает ставку на поиск новых способов выражения универсальных ценностей и вопросов, волнующих современное общество. «STUDIO» — не только театр: комплекс включает в себя также галерею, в который представлена богатая коллекция современного искусства, и бар, ставший центром деловых, дружеских встреч и увлекательной ночной жизни.

Текст: Юлия Батракова





© Арт-холдинг «Рахманинов», 2012 - 2020