art project Archives - Интернет-телеканал ВИДЕОГАЗЕТА ARTWAY.TV
Печатная версия



art project

Март 27, 2017

Знаменитый балет «Пахита» увидит свет рампы на сцене Мариинского театра уже 30 марта! Этот спектакль откроет XVII Международный фестиваль балета ...


art project


Знаменитый балет «Пахита» увидит свет рампы на сцене Мариинского театра уже 30 марта! Этот спектакль откроет XVII Международный фестиваль балета «Мариинский», который пройдет с 30 марта по 9 апреля 2017 года.

Постановка создана усилиями блестящей команды театра: Юрий Смекалов – автор либретто и хореограф, Юрий Бурлака – ответственный за реконструкцию и постановку хореографии Мариуса Петипа (в Grand Pas третьего акта), Андрей Севбо – художник-постановщик и, наконец, великолепная Екатерина Кондаурова – исполнительница главной роли в день премьеры.

Уже за неделю билетов на премьеру не оказалось в продаже, но есть и хорошие новости для тех, кто не успел их приобрести: найти «Пахиту» в афише Мариинского можно 31 марта и 6 апреля.

Изображение взято с официального сайта Мариинского театра https://www.mariinsky.ru/playbill/playbill/2017/3/31/1_1900

art project


 

Константин Сомов – деятель искусства Серебряного века, чей жизненный путь начался в Российской империи и закончился в Париже накануне Второй мировой войны. Отец художника, ученый-искусствовед А. И. Сомов, был сотрудником Эрмитажа, и поэтому Константин с детства рос среди произведений искусства. Вместе с А. Бенуа и другими художниками он являлся одним из создателей общества «Мир искусства». Эмигрировав в Европу через несколько лет после революции, Константин Сомов продолжал творить и за рубежом. Выставка в KGallery – это уникальная возможность увидеть работы художника, созданные в разные периоды его творчества и привезенные как из русских музеев, так и из зарубежных частных коллекций.

art project


 

Музей-квартира русского композитора открывает новую выставку, связанную со сценической историей оперы «Снегурочка». Римский-Корсаков написал «Снегурочку» в 1881 году по пьесе А. Н. Островского и называл её одним из своих любимых произведений. Выставка даст возможность всем желающим увидеть редкие материалы о постановках разных лет, эскизы сценических костюмов Константина Коровина и даже костюм Зимы, созданный по его эскизу и коллекция сценических костюмов балета Никиты Долгушина «Снегурочка» на музыку Н. А. Римского-Корсакова (1977, сценограф – С. М. Юнович).

art project


27 сентября откроется выставка «Как плугом океан деля…», приуроченная к 125-летию со дня рождения Осипа Мандельштама. Будут представлены книги, рукописи, фотографии, автографы и другие артефакты из собрания музея Анны Ахматовой в Фонтанном Доме.

Осип Мандельштам – одна из ключевых фигур русской культуры XX века, ее совершенно особый и самобытный поэтический голос. А для Анны Ахматовой – едва ли ни самый дорогой из друзей-поэтов. Замысел выставки не предполагает описания жизни и творчества Мандельштама от рождения до смерти. Скорее это пунктирное обозначение важных, значащих, символических образов его поэтики. В ряду таких «пунктиров» – образ Эллады. Эгейское море, «кипящие воды», списки кораблей… Гомер, «Илиада», Психея… Тема античности как колыбели культуры появляется уже в первом стихотворном сборнике и становится одним из «краеугольных камней» его художественного мира. Эллада отнюдь не идеальное пространство, населённое бессмертными богами и героями, а исходная точка для размышления о сути вещей, о религиозном миропонимании. Эллада, Древний Рим, Византия… Россия.

На выставке сочетаются визуальные и аудио-объекты (карта военных действий в Европе 1914 года, фотографии воронежской улицы-ямы, фото лагерной больницы во Владивостоке, звучащие стихи) с прижизненными изданиями, автографами, подлинными вещами, принадлежавшими Осипу Мандельштаму и его близким. Так создается пространство, полное красоты и хрупкости, где поэт одновременно и обитатель вечности, и мишень для репрессивной государственной машины.

art project


C 23 сентября по 30 сентября в Северной столице пройдет международный фестиваль «Послание к человеку».

Главным событием фестиваля в этом году станет визит французской актрисы Изабель Юппер. Предполагается, что актриса приедет на второй день кинопросмотра. Изабель — одна из четырех актрис, дважды награжденная призом за лучшую женскую роль Каннского кинофестиваля. Событие посетят и два известных режиссера: фильм одного откроет фестиваль, а другой будет награжден за заслуги.

Неизменно фестиваль «Послание к человеку» отдаст приоритет фильмам, «в которых гуманистическая идея выражена подлинно кинематографическим языком». Открытие фестиваля традиционно пройдет на Дворцовой площади, подробности будут известны позже.

art project


На улицах города в течение одного дня — 25 сентября — сыграют сотни исполнителей самых разных стилей.

День уличной музыки, который в этом году впервые пройдет в России, придумал проводить в 2007 году литовский музыкант Андрюс Мамонтовас. Подобные дни проходили не раз в других европейских городах, но в нашей стране впервые эту идею реализуют в городе на Неве. Суть проста — в один день на улицы города выходят сотни исполнителей самых разнообразных музыкальных стилей, играют и поют собственную музыку: простую и сложную, новую и старую, рок и фолк, хип-хоп и джаз. Профессиональный уровень не имеет значения — бок-о-бок могут играть маститые музыканты и любители.

Начало: в 12:00.

art project


Праздник проходит каждый год в первую субботу июля. По сути, его идея родилась из одной фразы, которой начинается самый петербургский роман в истории русской литературы: «В начале июля, в чрезвычайно жаркое время, под вечер, один молодой человек вышел из своей каморки, которую нанимал от жильцов в С-м переулке, на улицу и медленно, как бы в нерешимости, отправился к К-ну мосту…»

Праздник отмечают с 2010 года, а в этом году в Кузнечном переулке будут показывать новую уличную театральную постановку «ФМД-Театра» с участием петербургских героев Достоевского, а затем и балет под открытым небом покажут.

Одним из самых зрелищных событий станет необычное шествие, среди участников которого можно будет встретить Настасью Филипповну, князя Мышкина, генеральшу Епанчину, старуху-процентщицу, Родиона Раскольникова, Аркадия Долгорукова и многих других персонажей романов Достоевского.

Программа праздника:

с 12:00 до 15:00 — мини-карнавал в Кузнечном переулке;

12:00 — открытие праздника у памятника Достоевскому с участием актеров петербургских театров и великанцев (гигантских марионеток) театра «Кукольный формат»;

12:10 — «монстрация» к дому писателя;

12:20 — «Приветствие Достоевского»;

12:30 — уличный спектакль «ФМД-Театра» с участием петербургских героев Достоевского;

13:30 — спектакль центра современного танца ByeBye Ballet;

14:00 — второй показ спектакля «ФМД-Театра»;

15:00 — возложение цветов к памятнику Достоевскому.

Адрес: Кузнечный пер.
Время: 2 июля, начало в 12:00
Вход: бесплатно

art project


23 апреля в Петербурге пройдет Интеллектуальная вечеринка InCrowd на тему «Перформансы».

Перформансы – современные уроки свободы, политической, социальной, культурной, свободы в искусстве и в частной жизни. Как всякое contemporary art, перформансы остаются непонятыми массами. Участники Интеллектуальной вечеринки InCrowd узнают:

— какими методами акционисты разных веков и стран боролись за свободу;
— как отличить перформанс от хулиганства;
— как вообще понимать современное искусство.

Совсем не обязательно разбираться в Венском акционизме, цитировать манифесты футуристов наизусть и знать годы жизни Бойса, Абрамович или даже Поллока. На этот раз организаторы решили обойтись без лекций: все выступления будут в формате диалога. Сначала вопросы спикеру задает ведущий, а после – зрители.

Программа:

18:00-18:30 — Сбор гостей, ненавязчивая игра на знакомства.
18:30-19:20 — Анна Рябчикова, литературный критик, с темой «Поэтические шоу».
19:20-20:15 — поэтический перформанс от нас с вами.
20:15-21:10 — Алексей Курбановский, главный научный сотрудник Русского музея, с темой «Акционизм в ХХ веке: от Малевича до Бойса».
21:10-22:00 — ВЭРИ БИГ ЭНД ЛОНГ InCrowd нетворкинг.
22:00-23:00 — Кирилл ШАМАНОВ, художник, куратор, теоретик современного искусства, с темой «Перформанс сегодня: «Что это вообще было?!»

Также будет показ видео легендарных перформансов. Подробности о вечеринке – здесь.

art project


Петербургский мультиинструменталист, певец и импровизтор Сергей Гасанов сыграет музыку восточных традиций под красочный документальный фильм «Самсара» (реж. Рон Фрике, 2011). Перед показом зрителей ждет небольшая лекция об экзотических музыкальных инструментах.

Каждое выступление Сергея Гасанова ― это духовное путешествие сквозь времена и пространства, групповая музыкальная терапия и медитация. В своих выступлениях музыкант использует ситар, дильрубу, бансури и другие духовые, струнные и ударные инструменты. В композициях Сергея встречаются элементы как восточных музыкальных стилей: индийской раги, арабского макама и азербайджанского мугама, так и западных жанров: джаза, рока и нью-эйджа.

«Самсара» ― фильм, снятый полностью на 70-миллиметровую пленку. Действие картины переносит зрителя на священные земли и в зоны стихийных бедствий, в сердце промышленных объектов и природных чудес. Всего в фильме сняты 25 стран на 5 континентах Земли.

Гостей открытой киностудии «Лендок» ждет завораживающее медитативное действо, в котором звук и кино сольются в едином потоке энергии.

Дата и время: 26 марта в 19:00.

Место: Открытая киностудия «Лендок», наб. Крюкова канала, 12.

art project


21 марта Такой театр покажет спектакль Александра Баргмана — «Волонтеры» — на сцене Театра на Литейном, 51.

Трагикомедия Брайана Фрила о пятерых политических заключенных, по доброй воле согласившихся на раскопки старого города в Ирландии, постепенно раскрывается с неожиданной силой и глубиной. История каждого из персонажей оказывается простой, но шокирующей. Остается только догадываться, что ждет их впереди…

«Я нахожу рифмы между ирландским и российским народом: это и менталитет, и некая безбашенность, безалаберность, и не воплощенное желание жить лучше. В этом смысле Фрил ироничен, беспощаден и к своему народу, и в нашему. Кстати, у него есть несколько переработок русских произведений. Пьеса «Волонтеры» написана в 70-х годах ХХ века, и сегодня в ней есть про что играть каждому из нас. Это современная история о Человеке и его выборе», — отмечает режиссер Александр Баргман.

Роли исполняют: Роман Агеев, Виталий Гудков, Александр Стекольников, Дмитрий Белякин, Евгений Шумейко, Денис Синявский, Александр Лушин, Геннадий Алимпиев, Александр Алексеев, Игорь Грабузов. Художник: Георгий Пашин.

art project


В свой юбилейный XV сезон Международный фестиваль балета DANCE OPEN вновь приглашает всех к разговору на языке танца. К разговору, требующему работы души, – со страстью и юмором, с иронией и гротеском, с бессчетным количеством цитат, аллюзий и реплик на артефакты общечеловеческого опыта.

За десять фестивальных дней – с 16 по 25 апреля – происходящее на Основной сцене Александринского театра неоднократно погрузит зрителя в глубины подсознания и бросит во власть чувств, вовлечет в рефлексию и подарит эффект присутствия в пиковых точках мирового культурного пространства. Пережить все, что на грани времен и возрастов, с одинаковой страстью спешит переосмыслить мудрец и испытать пятнадцатилетний подросток – так ощущает себя фестиваль сегодня: видавшим виды мастером сцены и талантливым подмастерьем искусства – одновременно.

Именно поэтому лейтмотивом юбилея выбран напряженный поиск смыслов: актуальная современная хореография – мятежная, тревожная и, подчас, как подросток угловатая, выносящая на сцену обнаженную душу героя нового века.

Первый спектакль XV сезона DANCE OPEN состоится 16 апреля.

Одна из старейших трупп Европы – балет Венской государственной оперы (Wiener Staatsballett) – представит уникальную программу, сформированную эксклюзивно для DANCE OPEN. Каждый ее эпизод, отобранный лично Манюэлем Легри (покинувшим сцену Опера де Пари, но остающимся одним из лучших танцовщиков поколения) – это образец блестящей техники и тонкой драматургии.

Один из них – магнетическая зарисовка Иржи Бубеничека «Дыхание души» (“Le Souffle de l’esprit”), поставленная на завораживающую музыку Баха, Пахельбеля, Хофштеттера и Отто Бубеничека, адаптированная специально для Венской труппы. Достаточно сказать, что источником вдохновения и поводом к прогулке вдоль границы вечности послужил альбом репродукций да Винчи, подаренный хореографу однажды летним вечером…

Не менее яркая миниатюра «Наперекосяк» (“Skew-whiff”) Пола Лайтфута и Соль Леон представит редкий шанс насладиться виртуозным исполнением и актерским комедийным даром. Эта «милая безделица» мировой хореографической каллиграфии, положенная на музыку Россини, полная юмора, бешеного ритма и иронических цитат, найдет отклик в сердцах самых взыскательных зрителей.

А в истории Синей Бороды (“Blaubarts Geheimnis”) загадочного Штефана Тосса танец страсти и страдания, вечной жажды быть понятыми и вечного противоборства мужчины и женщины, кажется, исполнит сама любовь под вдохновляющую музыку Филипа Гласса. Откуда берется в душе человека стремление и умение любить? Откуда в нас эта пронзительная тяга попробовать еще раз – несмотря на запреты и предостережения, вопреки вселенскому опыту любовных трагедий? Ответы и откровения у каждого свои.

art project


19 марта фотогалерея «Рахманинов дворик» совместно с культурным центром «Порт» открывает в Сургуте выставку «Из коллекции фотогалереи «Рахманинов дворик» – работы фотографов России, Норвегии и стран Балтии.

Имеющая статус международной выставочной площадки, фотогалерея «Рахманинов дворик» на протяжении 10 лет знакомит зрителей с творчеством маститых фотографов и дебютантов, руководствуясь творческим кредо: «Фотография – это искусство!» Кураторами галереи собрана большая коллекция произведений фотографического искусства, насчитывающая свыше 100 цифровых и аналоговых отпечатков. Выполненные в различных техниках и жанрах, они демонстрируют своеобразие взгляда авторов и высокий уровень технического исполнения.

Выставка в Сургуте – вторая демонстрация фотографий коллекции за пределами Санкт-Петербурга. Часть работ была показана на выставке в Великом Новгороде в 2013 году и вызвала большой зрительский интерес. Организаторы проекта видят хорошие перспективы для обмена как коллективными, так и персональными выставками – ведь такое творческое взаимопроникновение – бесспорно – будет способствовать развитию и продвижению фотоискусства.

Выставка будет работать до 19 апреля.

Генеральный спонсор фотопроектов – арт-отель «Рахманинов»
Генеральный инфоспонсор – интернет-телеканал ARTWAY.TV

art project


С 1 февраля по 13 марта в Центре искусства и музыки библиотеки Маяковского будет открыта выставка Алексея Воринова, Анны Зинштейн, Екатерины Ефимик и Григория Кацнельсона.

Я не хочу читать неправильную книгу. Я хочу лишь смотреть на неё и, возможно, трогать.

Анна Зинштейн

22 августа 2015 года в 23 часа 13 минут по московскому времени в сообществе Открытых Мастерских появился звонко-красочный пост. Название манящее: «Как сделать неправильную книгу» — авторский курс Григория Кацнельсона. В посте — фотография страницы книги автора курса с трафаретным человечком в голубой кепке. Как можно пропустить такое тому, кто любит Книгу? Сим образом и встретились желающие опыт перенять с учителем-соратником и другом. Во время курса создали книги-свитки (техника трафаретной печати была нам в помощь). По окончании занятий теми же трафаретами мы напечатали ещё и книги с переплётом. А также создали объекты-книги на ту же тему. Потом решили выдумать книги-кубики. Вот так маленькое исследовательское приключение художников-энтузиастов превратилось в общий путь освобождения книги. Да, книга может быть и «неправильной» — она от этого только краше!

Екатерина Ефимик

Артель художников «Неправильная Книга» (Artists Collective Wrong Book) возникла осенью 2015 в СПб как сообщество пластически свободно мыслящих авторов. Своей предтечей они считают артель «Сегодня» (Ермолаева, Любавина, Турова, Альтман, Анненков, Лапшин), образованную в Петрограде в 1918 году и отдают ей должное в деле освобождения книги от гнёта невесёлых вялых издателей, суровых «профессиональных» иллюстраторов и замшелой «глянцево-нежилой» полиграфии.

Григорий Кацнельсон

art project


В   «Голубой Гостиной» Союза художников  Санкт-Петербурга с 20 февраля по 13 марта 2016 года проходит  выставка  народного художника СССР,  президента  Академии художеств СССР, профессора Института живописи, скульптуры и архитектуры  им.И.Е.Репина   Бориса Сергеевича Угарова  (1922 – 1991).  Торжественное открытие выставки состоится 25 февраля в 18 00.

Старшее поколение посетителей выставок отлично помнит это имя, а вот для молодых стоит напомнить, что Угаров был не только президентом Академии художеств СССР, но и одним из ярких представителей ленинградской школы живописи. В ней, как известно, соединились лучшие достижения дореволюционного реализма, формальных поисков 1910-1920-х годов и традиции сюжетной, тематической картины, характерные для советского периода.

Главное, что отличает ленинградскую школу живописи и творчество Бориса Угарова – это высокий профессионализм, живописное мастерство, которое подчас доминирует над привычными для советского искусства темами и жанрами: война, революция, деревня, материнство, камерный или парадный портрет.

На выставке представлены разные по времени создания и жанрам картины Б.С.Угарова.  Ранние работы мастера несут на себе характерные приметы времени соцреализма 1950-х годов: тщательная проработка формы, натурный подход. Есть более поздние, «оттепельные», в которых отражены более свободные решения натурных мотивов, композиционный дар художника. На экспозиции выставки представлены также  и эскизы к известным произведениям Угарова: например, этюд женской головы к картине «Ленинградка (В сорок первом)» (1961г., ГРМ). Или эскиз композиции к картине «Мать. Год 1941-й» (1965г.) — трагически одинокий очерк женской фигуры – матери, провожающей сына войну.  Угаров – настоящий мастер отбора, подлинный «композитор» в живописи, могущий выразить смысл, идею произведения через одну фигуру, через самый простой композиционный мотив. Лаконичная и выразительная композиция в сочетании с изысканным монохромным колоритом делает эту подготовительную работу подлинным произведением искусства.

Портреты кисти Бориса Угарова всегда схватывают главное в облике модели. Большеформатный портрет знаменитого скульптора М.К.Аникушина (1962 год), друга и соратника Угарова по преподаванию в Академии художеств, дан в рабочей обстановке мастерской, в ракурсе снизу, который позволяет разглядеть в модели темпераментную и увлеченную творческим трудом натуру. Женские портреты мастера, напротив, созерцательны и лиричны.

На выставке представлены прекрасные пейзажи, исполненные в лучших традициях русского «академического импрессионизма», в манере, напоминающей Серова и Коровина. Простой деревенский мотив, изба, лошадь, дощатый забор написаны с таким живописным благородством и художественным вкусом, что превращаются в подлинно поэтические творения.

Борис Угаров – тонкий колорист, мастер лаконичной и емкой композиции, художник большей живописной и – в целом – человеческой культуры. Выставка его работ всегда становится событием в художественной жизни Петербурга.

art project


После долгого перерыва в Петербург приезжают фотограф Александр Тягны-Рядно и поэт Татьяна Щербина. 1 марта в 19:00 в фотогалерее «Рахманинов дворик» пройдет встреча с известными гостями.

Татьяна прочтет стихи последних лет и представит репринтные арт-издания своих рисованных самиздатских книг 1980-х гг.: «Новый Пантеон» и «Маленький вампир», выпущенных издательством «Барбарис». Александр представит только что вышедшую к юбилею монографию в трех томах: «Фотография – образ жизни – фотография».

Татьяна Щербина – поэт, эссеист. Закончила филологический факультет МГУ. Участник международных поэтических фестивалей. Стихи переведены на 15 языков. Автор многих поэтических сборников (один из них написан на французском языке), романов «Запас прочности» (переизданного в книге рассказов и повестей «Крокозябры»), «Размножение личности». Работала во многих периодических изданиях, в последние годы – колумнист интернет-издания «Гефтер». Много пишет о политике и путешествиях.

Александр Тягны-Рядно – фотограф. Родился в Москве в 1956 году, окончил Московский Авиационный Институт, работал инженером-конструктором, видеоинженером, затем, окончил факультет журналистики Московского Государственного Университета. С 1984 года работал в прессе в качестве фотографа и фоторедактора. Сегодня – свободный фотограф, работает с изданиями и агентствами в России и за рубежом. Автор более десятка фотокниг и сорока девяти персональных выставок.
3 марта в Русском музее открывается выставка «Карнавал в Венеции», где представлены работы Александра Тягны-Рядно.

art project


Когда-то Геворг (Эндза) Бабаханян хотел посвятить себя религии и даже получил сан священника в Иерусалиме. Но скоро понял, что его главное предназначение – рисовать. Более двадцати лет Эндза провел за рубежом: уехав из Израиля  в Венецию, художник учился в Академии изящных искусств, затем работал реставратором, восстанавливал фрески во Дворце Дожей. Сейчас Геворг  живет в Ереване – пишет картины и руководит небольшим кукольным театром. Главные темы его творчества – Армения и детство. В этих незатейливых, на первый взгляд, сюжетах – проявляется настоящий симбиоз армянской, русской и европейской традиций.

– Священник, режиссер, художник. Чему вы отдаете предпочтение сейчас и отдаете ли?

Если человек любит искусство, работает в этой сфере – то он не может, скажем, обожать живопись и не любить театр. Поэтому неудивительно, что я окончил институт кино, потом занимался театром, что мне интересна скульптура и живопись. Однако бывает, что люди проходят три четверти своей жизни – и продолжают думать, что все впереди. Это не так. Мудрые понимают, что на определенном этапе нужно выбрать что-то для себя. Я выбрал живопись. Почему? Потому что живопись – единственный вид искусства, внутри которого ты предоставлен сам себе, работаешь со своими кистями, красками и никто тебе не мешает. Моей натуре ближе живопись.

– Как вы думаете, что такое картина для того, кто смотрит на нее? Скажем, для зрителя, не особенно искушенного в области искусствоведения?

Мне кажется, что когда начинаешь рисовать или смотришь на чью-то работу – ты понимаешь Бога. Бывает, думаешь: «Зачем Бог это все сотворил? Зачем ему эти проблемы?» Но когда работа закончена, я стою перед своей картиной – то люблю ее, как Бог любил созданный им мир. Я думаю, самый главный художник – это Бог. Возможно, он создал специальный тип человека – художника. Мне даже кажется, что сейчас всевышний действует посредством искусства, потому что искусство – и есть любовь. Для меня это уже вопрос решенный. Где нет любви – там нет Бога. Да, я бог своих работ. Вернее, апостол, я бы сказал.

– Ваш псевдоним с армянского переводится как «дар». Художник – это тот, кто все время отдает. Получает ли он что-либо взамен?

Нет, конечно. Что получает свечка взамен того, что дает свет и теплоту? Это ее сущность. То есть, если какой-то художник хочет рисовать и взамен получить что-то, или начинает сокрушаться: «Мои картины не продаются, меня не понимают, а я гений…»    это не настоящий художник.

– С другой стороны, это ведь очень по-человечески – рассчитывать на какую-то ответную реакцию, хоть немного ориентироваться на мнение публики…

Да, но это неважно. Это не самое главное. Вообще и в русском, и в армянском языке есть понятия «дар» и «подарок». Когда ты даешь и хочешь получить что-то взамен, это подарок.  Дар – это то, что волхвы принесли Иисусу. Наверное, это какое-то духовное послание, которое материализовалось в конкретный предмет. Почему волхвы принесли эти дары? Потому что они знали, что имеют дело с Богом.

– Понимание значимости действия?

Да. Ты рисуешь потому, что понимаешь, что это дар Бога тебе. То есть ты проводник, и через тебя это все идет. Плохо, если художник не чувствует этого. «Знаете, я гений». Нет. Просто водопроводная труба, которая проложена между Богом и моими картинами. Всё.

Бывает, художники говорят: «Если я не буду рисовать, я умру». Мне кажется, все не так. Если б я не рисовал – то был бы садовником. Или клоуном – я им симпатизирую. Или я бы просто улицы подметал. Это тоже мое любимое дело. И этот веник я бы употребил как кисть. То есть неважно –  ты рисуешь или нет. Важно – как ты делаешь свое дело. С искусством или без. Потому что очень многие рисуют, но это для них ремесло. А не контакт с духовным.

– Как вы отличаете одно от другого? Всегда ли это можно сделать легко?

Я отличаю очень просто. Насколько художник честен в своей работе и сколько энергии вложено туда? Когда я рисую – заряжаю свою картину. Она становится подобной магниту. Один знаменитый армянский артист рассказывал: «Когда я поехал впервые в Лувр, чтобы посмотреть Мону Лизу – что там такого, что все об этом говорят. Я не знаю, что там было, но поймал себя на том, что я стоял и четыре часа плакал у этой картины». Когда я учился в Италии, мы с другом ходили посмотреть Давида Микеланджело. На улице стояла копия Давида, созданная с компьютерной точностью – мрамор, размеры, всё как надо. Мы с другом подумали: «И это Давид?». Затем мы пошли в музей, чтобы ради интереса посмотреть оригинал. И мы дрожали перед этой работой.  Какая разница? Одна лишь – в ней есть душа, сила, энергетика Микеланджело.

– Часто приходится видеть людей, которые приезжая в новый город, пытаются успеть все, обойти все музеи, сфотографироваться со всеми памятниками искусства…

Когда они идут посмотреть новое место, они ищут с ним физический контакт. А нужен духовный контакт. Вот я приехал в Петербург, заболел, и я могу сидя здесь и глядя в это окно чувствовать дух города. Петербург – это такой город, в который мне хочется возвращаться, и этим все сказано. Не столь важно, что я не успел все обойти. А они таким образом просто галочки поставили – был-был-был.

– Ролан Барт писал, что когда произведение создано – оно автору уже не принадлежит. Люди могут интерпретировать, как им вздумается, и будут правы. Как с этим быть?

Если человек говорит, что у него сто друзей – я не поверю. Друг бывает – один, два, пять максимум. То же самое картины. Ты выбираешь в искусстве своих друзей. Если кто-то посмотрел на мои работы и не почувствовал, что он может с моей работой дружить, это нормально. Значит, у него другой круг. Ведь есть в городе разные круги. Кому-то нравится пить пиво, кому-то на выставки ходить. Это вопрос выбора. Это как в «Книге джунглей» – мы с тобой одной крови. Значит, мы с этим человеком, который не понял моё  искусство, – не одной крови.

– А в каких отношениях вы находитесь со своими работами? Легко ли вам с ними расставаться?

Раньше мне было трудно разлучаться с ними. А сейчас, наверное, я считаю, что готовая картина имеет отношение уже не только ко мне. Она должна жить своей жизнью. Но одно я точно знаю: когда я заканчиваю работу и иду спать, я ощущаю, что моя энергия исчерпана. А потом встаю – и все, продолжаю свою жизнь. После каждой картины появляется такое чувство.

– Тема детства занимает большое место в вашем творчестве. Иногда приходится слышать о том, что общество все больше становится инфантильным, и это не есть хорошо. Что думаете вы?

Я думаю, что все-таки все лучшее – из детства. Если человек хочет жить как ребенок, это очень хорошо. Детство, искусство – это вещи неопасные. Войны, политические игры – это я ненавижу. Если бы в политике было чуть-чуть детства и искусства – было бы лучше. Я думаю, что негатив в жизни – это нехватка таких вещей.

Вообще людям часто кажется, что «когда-то я был ребенком, а сейчас я другой». Люди не меняются. И когда я пишу – я не то чтобы вспоминаю ребенка, которым я был, нет. Я не могу это разделить. Я живу и мыслю так же, как жил и мыслил тогда, когда мне было шесть лет. Поэтому я не хочу проводить черту – вот я был маленький и теперь вырос.

– Хотя, на деле мы ведь это любим – делить жизнь на периоды: детство, отрочество, юность и так далее.

– Это иллюзия. Нет молодости и старости – все это один миг. Когда мы разделяем это, то  попадаем в сети.

– Может быть, людям нужно это разделение, чтобы «схватить» неуловимую жизнь? Ведь она уходит сквозь пальцы, как песок.

– То же самое, как фараоны строили пирамиды, чтобы стать бессмертными – вот мы и делим на прошлое и будущее. А если человек уже из вечности, и он в вечность отправится – какой смысл?

– Правда, мы не хотим быть гостями, мы хотим быть хозяевами жизни. Говорят, когда пушки стреляют, музы молчат. Только вот если становится плохо – хочется в театр. А у вас как?

Да, когда плохо, нужно идти в театр, в музей, читать книги – и всё будет. Вся наша жить – это история любви и ненависти. История плюса и минуса. Даже вот можно библию с этой точки зрения рассмотреть. Что случилось? Было много негатива, Бог решил сделать всемирный потоп. Через тысячелетия стало снова много негатива – и он отправил своего сына Иисуса, тот добавил позитива, добавил любовь.

– Что бы вы посоветовали человеку, который холоден к живописи?

Знаете, например, животные для меня выше людей во многих аспектах. И если кто говорит, что у животного нет души – что оно не любит и не плачет – я не верю. Но единственное, мне кажется, что животные не понимают искусство. Я не говорю, что люди, которые не понимают искусство – животные. Нет. Я обожаю животных (улыбается). Но отношения с искусством – это то, чего нам часто не хватает в жизни, что нужно культивировать в себе. Искусство – это контакт с Богом, с прекрасным. Это нужно.

– Расскажите немного о том, что вдохновляет лично вас.

Когда я вижу добрых людей – знаю, что не всё потеряно. Одно доброе дело, один добрый поступок не может не вдохновлять. Один наш святой говорил: «Не всякая правда добра. Но всякая доброта – это правда». Я бы выбрал доброту. Святой Антон писал:  «Придут такие времена, что только если ты будешь добрый – ты будешь спасен».

Я обожаю театр. Не случайно я окончил Институт театра и кино. Это болезнь. Жаль, одной  жизни не хватает, чтобы все успеть. Два года назад работал с командой актеров. Сейчас я решил заниматься именно куклами. Я люблю это, то есть ты вкладываешь свою душу в это, они такие чудные. Кстати, маленький петербургский Театр марионеток мне очень нравится. Вот в кино не хватает контакта со зрителем – а в театре зритель получает очень много.

– Если подумать, у театра и живописи – много общего. В обоих случаях – диалог. Разного порядка.

Очень схожий контакт. И что интересно, когда уже создавали телевидение, говорили, что театр умрет, но он не умер. Появилось кино – театр все равно живет. Я думаю, современные гаджеты барьер между произведениями искусства и нами. Многие рассуждают: вот, мол, когда-то было так, а теперь все иначе. Но в жизни в основном все остается неизменным по сути своей.

– Только играем другими игрушками?

Да, главное мыслить шире. Один американский турист посетил мудреца. Он обнаружил, что в доме мудреца почти ничего нет. «Где твоя мебель?» удивился американец. «А где твоя?» спросил мудрец. «Моя? Но ведь я здесь проездом. Я турист». «А вы думаете, я не турист?». Если осознать это глобально – все увидится по-другому. Вся наша жизнь один миг.

– Безусловная готовность быть  добрым – это и есть цельность личности.

– Часто такое бывает, что делаешь какое-то добро, а в ответ не получаешь ничего. И переживаешь. Я расскажу притчу. Один человек увидел, как скорпион упал в воду и старается выбраться из нее и начинает тонуть. Человек решил спасти  живое существо, протянул руку и вытащил его, но скорпион  укусил его. От боли спасатель разжал пальцы, и скорпион вновь упал в воду. Человек во второй раз попытался вытащить скорпиона, и тот снова укусил его. Случайно наблюдавший  происходящее путник сказал: «Вы проявляете излишнее упрямство!» На это человек ответил: «Если у кого-то плохой характер – разве я должен перестать быть добрым?».

 

Геворг (Эндза) Бабаханян – участник международного арт-форума «Зимняя неспячка 2016», организованного при спонсорской поддержке арт-отеля «Рахманинов»

Фото предоставлено фотоателье Sana Petra

Сайт художника: http://www.endza.com/

Беседовала: Юлия Батракова

art project


У кого как, а петербургскому фэшн-дизайнеру Полине Раудсон ее музы не дают спать. Они тревожат и без того неспокойный девичий сон, устраивают ей встречи в Цоем, где он многозначительно делает ей мистические посылы… Все это дает мощный творческий заряд, который преобразуется в совершенно бешеную, безбашенную коллекцию, которая вряд ли может претендовать на восторг и восхищение сугубо инсайдеровского фэшн-сообщества или светской тусовки. Однако мир искусства и петербургская богема, которым плевать на всяческие изысканные находки и тренды, наверняка найдут здесь для себя достойные варианты.

С особой теплотой встретят новую коллекцию и в среде петербургского андеграунда. Однако хватит ли средств современной богеме Северной столицы на штучные бутиковые экземпляры с показа, учитывая эксклюзивность тканей и принтов… Это вопрос открытый.

Сегодняшний фэшн-показ Полины Раудсон прозвучал с сильнейшим акцентом на театральной ноте и антивоенной теме, которые ощутимо расширяют саму концепцию модного показа как такового. Впрочем, похоже, дизайнера и мода в том виде, в котором она пребывает сейчас, мало волнует. Она живет в своём философско-, театрально-музыкальном мире и делает то, что хочет, ни на кого не оглядываясь.

Дефиле «Последний романтик» от модного дома Polina Raudson под песню Виктора Цоя «Группа крови на рукаве» – стала воплощением ностальгии для поколения 80-х, гимном против агрессивности, ораторским выступлением самого дизайнера, ее ответом на происходящее сейчас в мире.

Символично и участие в шоу актера Александра Баширова вместе с лидером «Митьков» художником Виктором Тихомировым. Эти культовые представители петербургского андеграунда, чья молодость зажигала в 80-е, вразвалочку, но ещё очень живо и энергично топча подиум, как бы намекают веселым и в тренде лохматым «оторванным» юным моделями на то, что творческая молодость – вечна.

И зачем нам драться, воевать…убивать, завидовать кому-то? Давайте все станем пацифистами! Будем по-хорошему весело хулиганить, любить и создавать прекрасное! А кровь… пусть останется художественной кроваво-красной краской, только на рукаве и на белоснежном платье невесты, у сердца, как креативный принт от петербургского дизайнера Полины Раудсон!

Текст: Оксана Куренбина

art project


«Ну, я здесь, в гостях у Рахманинова!» – всегда узнаваемый голос Михаила Юрьевича Скоморохова раздается на всю гостиную арт-отеля, в котором расположена наша редакция. Вот он говорит по телефону, вот идет на балкон «потихонечку курнуть» и, наконец, садится напротив меня, начинаем разговор. Один из крупнейших режиссеров отечественного детского театра, Скоморохов поставил более шестидесяти спектаклей в Москве, Петербурге, Свердловске, Магнитогорске, Перми…Тридцать с лишним лет он руководит Пермским ТЮЗом, вдохновляя своих коллег и зрителей самого разного возраста.

– Михаил Юрьевич, вы часто бываете в Петербурге? Расскажите о ваших взаимоотношениях с этим городом.

– Так случилось, что я закончил Свердловское театральное училище и работал в Белгороде, затем в Рязани. После – поступил в Щукинку и поехал в Магнитогорск, в Театр кукол и актера «Буратино», которым руководили Витя Шрайман и Марк Бурштейн. Сегодня об их находках рассказывают студентам на кафедре театра кукол, а тогда они были первооткрывателями: смешивались разные жанры, использовались куклы и перчаточные, и тростяные, и тантамарески, и марионетки… Там я защитил свой диплом.

Впервые в Петербург попал уже после окончания Щукинки, когда мы вместе с Марком поехали в Москву и сюда добиваться гастролей. В то время я подружился с Раисой Григорьевной Симоновой, которая была директором Дома культуры и дала дорогу многим молодым режиссерам и актерам. Если показывали что-то прогрессивное, интеллигенция забивала залы до отказа. И я влюбился в этот город, в эту публику. Тем более что мама Марка была из дворян. Дочка виз-адмирала его величества. Она пережила войну, всю свою жизнь отдала театру. Замечательный художник по росписи костюмов.

– С чем связан ваш приезд в этот раз?

– Мы работаем сейчас совместно с художником Ирэной Ярутис над спектаклем «Продавец дождя», премьера которого состоится в сентябре 2016 года на сцене Пермского ТЮЗа. Ее спектакли идут во многих театрах России, в том числе и в Петербурге, она отмечена разными наградами. Самое главное, что она помоложе меня (улыбается), а это всегда полезно. Люблю работать с ней, мы не одну награду уже вместе получили за спектакли.

– Можно ли говорить про петербургскую публику и про пермскую? Или про столичную и провинциальную?

– Нас многое связывает. Во время войны Мариинка был эвакуирована в Пермь. Так наш Оперный театр встал на ноги, открылось музыкальное училище, хореографическое училище. Некоторые педагоги остались в Перми. В то же время и в питерских театрах, и в московских работает много солистов бывшего пермского балета. Наша публика очень добрая, отзывчивая, но у нее послевоенное воспитание. Питерскую публику, я считаю, отличает от московской то, что в ней нет снобизма. У москвичей есть такое: «Мы – на особицу». Они воспитаны на фразах – на репризах в зал. Эта или та фраза смешно звучит сегодня. Актуально, но временно. А питерская публика смотрит глубже, на то, что берет за душу.

– Лев Додин считает, что нельзя поставить классику несовременно – театр всегда говорит сегодняшним языком. Вы согласны?

– Дело в том, что сюжеты, темы, которые вбирают в себя классические произведения – разносторонние. Например, нас учили, что обломовщина – это лень и ужас, а вот Штольц – молодец. А на самом деле произведение было написано Гончаровым не в обвинение Обломова – а с целью показать: вот такая русская натура, мы любим поспать, поесть, но доброта душевная, культура – выше всего этого. Мы можем очень долго тормозить, отставать – и потом рвануть.
Это действительно так. Когда работаешь с артистами разных национальностей, понимаешь, что французы, немцы – более собранные, и они выдают настолько, насколько могут сегодня. И очень легко с ними, казалось бы, идти дальше. Но то, что наши ленивые, иногда не очень собранные в деле, вечно опаздывающие могут иногда совершить художественное открытие – это я знаю.

– Получается, театр прогрессивен по своей природе и всех опережает – родителей, учителей, писателей? Или нет?

– Театр отражает сегодняшнюю жизнь. Если кто-то рассуждает о жизни умнее – их немного – они могут запустить в публику размышление – театр ведь не дает ответа, это не кафедра. Театр ставит вопросы. Посмотрите, какие замечательные спектакли делает Фокин или Могучий – «Синяя птица» с использованием современных эффектов, потрясающе. Поражает в самое сердце и дает размышление на будущее. В Москве периодически бывают такие спектакли, которые становятся для меня открытием.

– Когда я хожу на спектакли Вениамина Фильштинского, поставленные с использованием этюдного метода, я ощущаю, как оживают знакомые произведения…

– Фильштинский – великий педагог. Мы с ним знакомы неплохо, поскольку вместе были в жюри на фестивале «Арлекин». Это же школа. Спектакли из учебного процесса. Для постижения роли у артиста есть слова, написанные автором, и внутренний монолог. Написана реплика «Сейчас я вам отвечу», про себя думаю: «Так, что мне ей сказать? Надо ведь не обидеть девочку и идиотом не показаться в то же время…» И они это добавляют. Не надо смотреть на это так: «Вы похабите Чехова!» Я даже к Акунину, которой пишет по чеховским сюжет, нормально отношусь. Пусть будет всего много. Главное – не нарушать нравственные законы. Нельзя, например, утверждать убийство. Если ты не веришь в бога – нельзя со сцены его отрицать.

– Будучи человеком, который довольно рано возглавил театр, как вы относитесь к молодым режиссерам?

– У меня они всегда ставят и работают. Я взял вашего питерского режиссера, молоденького – он здесь закончил как актер и сразу поступил в ГИТИС как режиссер. Я его поставил главным режиссером – не просто очередным. До него работал тоже молодой режиссер. Они дают нам фору. Рядом должен быть молодой режиссер. Но он не должен болтаться как волос в супе, который хочется выбросить. Он должен быть как гвоздь в …, который не дает сидеть! (смеется) Это действительно так. Но я уважают молодых, которые горят своим делом, разбираются. Не люблю дилетантов. Сейчас, конечно, дилетанты «просели». Но они сами пробьются, а таланту надо помогать.

– Часто случается, что талантливые люди уезжают искать счастье в столицы…

– Как-то раз видел обалденный спектакль в Новосибирске. Актеров из разных театров собрал одаренный продюсер, и потом все они в итоге рванули в Москву. Состоятся ли их судьбы так, как они могли состояться в Новосибирске? Это вопрос. У меня тоже есть потери, уходили хорошие артисты, которые в итоге не стали актерами. Я знал, что так произойдет. Это беда. Я помню, когда Гончаров взял Самойлова, который уже в кино снимался, и его знали по фильмам. Судьбы могут состояться. Но это бывает редко. А родной город теряет, порой, незаменимое.

– В крупных городах иногда происходит так, что сильные спектакли залов не собирают, а посредственные по оценкам критиков постановки пользуются популярностью.

– В Питере хороших спектаклей очень много. Есть выбор. Раньше центральное управление культуры гастролёров пускало крайне редко. Театр кукол из всех театров мог попасть на гастроли сюда один раз за пять лет на две недели. Не пускали. Поэтому свои театры были забиты зрителем. А сегодня самый нашумевший европейский спектакль может остаться без внимания. В Москве много людей, которые приехали в командировку они всегда заполняют часть зала. Разве во МХАТ можно было раньше в день показа спектакля попасть?

– Зритель юный и не юный – о чем важно помнить, когда ставишь спектакль для детей?

– Замечательно, когда подростки приходят в театр вместе с родителями. Смешанный зал. Это праздник для обоих. Людей старшего поколения не должны раздражать молодые своим эмоциональным восприятием. В Перми за 34 года получилось так, что уже воспитан свой зритель. Сперва они ходили, будучи студентами, а сегодня они уже моего возраста, и это счастье – они водят внуков на спектакли.

Я раньше ставил спектакли именно для своих детей. Нравилось им – нравилось и залу. Этим принципом я жил. Хочется сегодня поддержать молодых, которые будут дальше работать. Я исповедую одну заповедь на театре: зритель умнее нас. Надо понимать, что всегда найдется тот, кто знает больше. Наше искусство должно быть таким, чтобы дети были тронуты, но чтобы они уходили со спектакля с надеждой, с верой в себя. Давать уверенность в том, что завтра они станут хозяевами жизни.

Беседовала: Юлия Батракова

art project


Произведения искусства порой настолько меня впечатляют, что требуется немедленное «заземление»: начинаю раздавать советы друзьям, иду смотреть и слушать еще раз, пишу в стол и не в стол, плохо сплю. Музыка, особенно классическая, часто дает такой эффект. Но с живописью – всегда было сложнее. До тех пор, пока на днях арт-форум «Зимняя неспячка» не собрал в Петербурге известных российских и зарубежных художников. Этот творческий водоворот крутил меня, не давая опомниться. Итак, делюсь своим скромным мнением.

Особенно зрелищным событием «Зимней неспячки» стал мастер-класс, на котором художники в режиме реального времени работали над картинами в творческом пространстве Antik&modern ART-Club-Gallery. Вы часто скучаете на выставках, можете легко обойти Русский музей за пару часов и искренне не понимаете, как можно было купить картину Пабло Пикассо «Певица Кабаре» за $67 млн? Что ж, возможно, вам стоит своими глазами понаблюдать за работой художника. Это восторг. Это то, что нельзя сфотографировать и унести с собой. Описывать – тоже дело неблагодарное. Могу сравнить: картина есть путешествие, в которое берут не всех. Если же вы ловите момент создания или беседуете с художником, пытаетесь понять его – вы словно получаете золотой билет. По крайней мере, такой шанс есть.

Конечно, большие дела делались и за семь дней, однако меня удивляет, как можно написать картину в сжатые сроки или вовсе за считанные минуты. Участник арт-форума монгольский художник Отгонбаяр (Отго) Эршуугийн, который живет и работает в Берлине, говорит о своих дедлайнах: два-три года на одну работу. Три тысячи лошадей на полотне – это вам не шутки. С одной стороны, смотришь на все это – и видится минимализм, с другой – подобно тому, как окружающие нас предметы состоят из мельчайших частиц, причудливый орнамент картин Отго, если подойти ближе, обнаруживает хаотичное множество деталей. На «Зимней неспячке» появляется картина, про которую зрители без конца спрашивают, закончена ли она. И правда, как, улыбаясь, заметил Олег Яхнин, «штормовое предупреждение» какое-то. Дождь. Но вы всмотритесь, поучает Отго, не все же должно быть очевидно. И тут из дождя, ей богу, медленно выходит лошадь.

Картина – это диалог, разговор двоих: того, кто рисует, и того, кто смотрит. Чтобы увидеть, просто смотреть недостаточно. Конечно, можно вступить в диалог словесный и задать художнику неприличный вопрос – что он здесь имел в виду? Но лучше – поразмышлять самому. Иногда художники видят друг у друга что-то, совершенно не доступное взгляду простого обывателя вроде меня. Например, на картине Анатолия Белкина, которая находится в коллекции арт-отеля «Рахманинов», участниками форума была замечена тень, которая не принадлежит никому из персонажей сюжета. Может быть, это тень самого Белкина? «На самом деле здесь два лица – мужское и женское…» – объясняют мне умные люди про другую картину – работу молодого участника из Армении Армана Амбарцумяна. Не знаю, правда ли это, только мне бы и в голову такого не пришло. Я слишком отвлекаюсь на изображения пальцев, особенно если это пальцы музыканта.

Разные виды искусства, безусловно, не так уж далеки друг от друга. Картина – это музыка, которая запускается вами, звучит в ваших ушах. Только для нее нужно постараться. Иногда это тишина, что тоже неплохо. Вы не слышите картину? Просто не нужно пытаться потреблять ее, как мы зачастую в скорости и без особого труда потребляем популярную музыку. Это невозможно. Лучше сходите в кино, в кафе, развейтесь. А для картины приходите с «духовной жаждой», с открытым сердцем, простите за пафос. И тогда можно будет, если повезет, немножко послушать прекрасного. Блок считал, что слышит музыку сфер. Я думаю, эта музыка робко и непрерывно звучит в Эрмитаже, пока все ошалело фотографируются с «Мадонной Литтой» да Винчи. Времени всегда не хватает, друзья, так почему бы не заглянуть в одну конкретную картину, как в окно, или не открыть ее, как хорошую книгу.

Еще, наверное, хочется думать, что живопись позволяет обратиться к вечному, разобраться в себе, что она – терпеливый учитель. Смотришь так на работы литовского художника Валентиноса Варнаса и думаешь: пора бы наведаться домой, в свой родной город. Потому что улицы и дома его Вильнюса выглядят на них так, что чувствуется любовь художника к месту, где он живет. Один и тот же город, появляясь на картинах разных художников, принимает самый разный вид. Темой мастер-класса «Зимней неспячки» стала «Музыка города», и, безусловно, «красный» Петербург художника Ивана Куренбина с нотками тревожности и драматизма совсем не похож на Петербург Инны Денищик из Бреста – с ее легкой питерской музыкальностью, ритмом, играющими отражениями.

И, конечно, Петербург Василе Толана из Румынии или литовской художницы Меды Норбутаейте, которая открыла свою выставку на арт-форуме, – еще одно значимое высказывание в этом разговоре о нашем любимом городе. Кстати, картины Меды только вначале кажутся «безлюдными», незримое присутствие человека отчетливо ощущается. Вероятно, именно под человеческим взглядом все эти предметы становятся зыбкими, начинают плыть и словно растворяться в воздухе. Наше видение мира – не есть подлинный мир, как бы говорит Меда. Красота, разумеется, в глазах смотрящего. У вещей есть своя история, живая память. В них – следы людских отношений, которые исследует художница. В общем, привет Канту и Сартру. А с другой стороны – для меня это написано любовно, чувствуется романтика – легкая, не слащавая.

Говорят, что хороший роман можно писать, дополнять, редактировать бесконечно. Что его нельзя закончить, а можно на время оставить в каком-то приемлемом состоянии. С картинами – так же. Врубель подправлял своего «Демона» прямо на выставке, снова и снова накладывал краски, менял положение фигуры, фон и выражение лица. На нашем арт-форуме длительный процесс «подправления» тоже имел место. Это говорит о том, что картина живая, имеет свою судьбу, и эта судьба может быть разной. Одни художники не дают покоя своим картинам, другие же, например, участник «Зимней неспячки», белорусский Энди Уорхол – Сергей Гриневич – рассказывает, что когда картина готова – она больше не интересна ему. Другое дело – новая, незаконченная. На мастер-классе Сергей перенес на холст образ одного из важнейших символов Северной столицы – композитора Сергея Рахманинова. Сильный, монументальный, мужественный.

«Нет ничего лучше, чем только что написанное стихотворение. Нет ничего лучше, чем осуществленная любовь», – уверен современный поэт Дмитрий Воденников. Возьму на себя смелость и скажу, что только что написанная картина – тоже безумно прекрасно. А вот любовь к искусству рекомендуется осуществлять, например, так: приходить на выставку работ участников «Зимней неспячки 2016» в арт-отель «Рахманинов», а буквально через месяц – в выставочное пространство ARTWAY Design Hotel. Кроме того, в Мраморном дворце открыта выставка мэтра и соорганизатора арт-форума Олега Яхнина – и это нужно видеть. Словом, еще есть пара золотых билетиков.

Текст: Юлия Батракова

art project


29 января в 17:00, питерское арт-кафе «Книги и кофе» приглашает всех музееманов и музеологов на историческую встречу.

Участники проекта «Я поведу тебя в музей» – сотрудники петербургских музеев, библиотек, журналисты – поделятся воспоминаниями о самых незабываемых случаях из жизни музеев, их работников, посетителей и экспонатов. Это всероссийский поиск самых интересных рассказчиков и отбор самых ярких историй о жизни музеев нашей страны, который завершит издание сборника рассказов в книжной серии «Народная» книга» (издательство АСТ, редакция Елены Шубиной и Астрель-СПб).

Подробности проекта и первые истории, пришедшие на конкурс, размещены на официальном сайте http://nk.ast.ru/musey/



БИБЛИОНОЧЬ — 2017 Интерактивная программа «Мертвые души. Импровизация»

ул. Стрельнинская, д. 11, 2-й этаж (конференц-зал).

Международный фестиваль «Мир искусства» откроется в Петербурге.

Эрмитаж, СПб Консерватория, Филармония, Арт-отель "Рахманинов" 26.03-01.04

В KGallery откроется выставка работ художника Константина Сомова (1869-1939 гг.)

Галерея искусств KGallery, 24.03.17-14.05.17. Стоимость билета 100 рублей.



© Арт-холдинг «Рахманинов», 2012 - 2017